Hace poco pensaba que sería una desgracia para mi generación
que Hozier se convirtiera en uno de
esos artistas one hit-wonder. En el
2013, con la puntería certera de un hombre alado, puso a cuanta emisora existente en más de
tres continentes, a reproducir, una y otra vez, Take Me To Church. El éxito, tanto de la canción como del video, la
posicionó rápidamente como “Una de las
mejores canciones de lo que va del siglo.” Durante el año siguiente publicó
su primer álbum “Hozier” y llegó hasta el 2015 como una de las grandes promesas de la música. A todo el éxito
arrollador lo sucedieron casi 2 años de silencio absoluto por parte del artista…
¿en serio ese álbum que oscilaba entre el rock el pop y el soul era todo lo que
el irlandés tenía para nosotros? Pista: ¡NO! (Thanks God!)
A finales del año pasado Hozier rompió su silencio con un EP
y dos sencillos posteriores que lo volvieron a ubicar en la mira. Nina Cried
Power, la canción que le dio nombre a la publicación es, sin duda, la prueba
de que al músico no le va a quedar difícil superar en calidad a la ya clásica Take me to Chrurch. La canción es un eco
en homenaje a algunos grandes artistas quienes apoyaron el movimiento
por los derechos civiles en su momento. Lo mejor es que si en
sus primeras obras se dejaba ver cierta atracción por el soul, aquí se ha
lanzado y zambullido en esas aguas siempre diáfanas y agitadas en compañía nada
más y nada menos que Mavis Staples: cantante
de gospel y activista política estadounidense.
A pesar del largo tiempo en que no tuvimos noticia en el
mundo de la música sobre Hozier; y de los 79 años de Staples, sus voces llegan
con la fuerza y la translucidez del espato de Islandia. Se acompañan de los
coros envolventes típicos de la profanación de la música sagrada, el
instrumento de percusión universal: las palmas, y unos tímidos, pero certeros
teclados y un bajo que ayudan a sostener la melodiosa voz del irlandés. Y aunque
no todas las nuevas canciones, ni las del próximo álbum según el mismo artista,
tienen ese peso político, la verdad es que sigue siendo una de las mejores
características de las producciones del compositor.
La segunda canción del EP es NFWMB, siglas de Nothing Fucks With My Baby. Una traducción
perfecta del equilibrio entre lo eléctrico y lo acústico; y el ya conocido
juego que el cantante establece entre la música y la poesía. Esta vez su voz,
lejos de la fuerza de la primera pista, pero con la seguridad inefable de la
suavidad, se deja escuchar mientras se pasea entre capas de velos movidos por
el viento silencioso que no busca birlar la voz, sino dilatarla. La canción parece
responder al poema Second Comingde Yeats desde la perspectiva de uno de “los
peores (quienes están) llenos de apasionada intensidad.” El panegírico de un seductor
que busca corromper con el deseo, la única salvación del fin del mundo.
El monstruo que ha sido despertado después “de veinte siglos
del pétreo sueño” va camino hacia Belén para destruir todo rastro de humanidad
y, sin embargo, existe una sola persona capaz de detenerle y hacerle
retractarse; pero claro, Hozier, su voz, es uno de los peores de este mundo y sabe que para dejar que la destrucción
suceda no debe atacar al monstruo sino a su debilidad, por eso le seduce. Una de
esas letras profundamente trabajadas y bien ensambladas que termina por ser el
lado B del poema de Yeats.
Movement, aunque
no hace parte oficial del EP, sí es uno de los sencillos publicados días
después. Y si ya nos ha puesto a oscilar entre la música y la política y la
música y la poesía, esta vez es el turno del
movimiento. Además, como si la experiencia que nos brinda el compositor no
fuera suficiente, el video de la canción tiene como protagonista a Serguéi
Polunin, con una de esas puestas en escena que embelesan y no dejan
parpadear. Más que una coreografía, lo que ha logrado hacer el bailarín
principal más joven del Royal Ballet de
London, es mostrarnos la lucha interna del crecimiento, del avance, mientras la
voz lo invita a nunca parar.
Para esta pista vuelven los coros, como ondas generadas en
la superficie del agua por la voz principal: potente, fuerte y diestra. Y el
acompañamiento de unos teclados que recuerdan al órgano utilizado en ritos
sagrados, forma en que también son descritos los movimientos de Polunin. Hozier
se ha convertido en la corriente que agita el agua y Serguéi en el milagro que
emerge de ella.
Realmente me encanta que un artista actual, de la talla de Hozier,
con su conocimiento en la música, la poesía y la naturaleza humana venga a
ofrecernos su verdad en estas piezas musicales que contienen mas
de lo que uno puede encontrar a simple vista. Se espera que en 2019 lance al
público su segundo trabajo discográfico del que ya hemos recibido un abrebocas
de una calidad impresionante. Un músico que vale la pena apoyar y seguir
porque, a pesar del tiempo que le toma, tiene mucha belleza por ofrecer.
Para nadie es sorpresa que Rosalia se ha convertido en una artista reconocida a nivel mundial. Desde Los Ángeles ha venido cosechando una larga racha de aciertos que la han posicionado como una de las artistas mas importantes por lo menos del ultimo año. Y no es por cualquier cosa, sus trabajos, tanto el primero como el segundo han considerado elementos importantes que merecen ser resaltados y felicitados.
El Mal Querer ha sido un trabajo discográfico que logró encabezar en muchas de las listas de final de año y como fue uno de mis favoritos, no iba a dejarlo pasar. Ya hemos leído, visto y escuchado reseñas de todo tipo. Muchos la han criticado y otros muchos le han dado el visto bueno, lo cierto es que fue este uno de los trabajos mas llamativos del 2018.
Empezaré dándole contexto a cómo quiero que revisemos este trabajo aquí hoy. Este es mas que un disco como tal, en sí mismo contiene dos narrativas que funcionan como un engranaje perfecto a lo largo de todo el trabajo y no es sorpresa, ya que esta obra está basada es un libro. Mi objetivo era analizar tanto el libro como el disco para ahondar en la narrativa y ver como se genera un discurso intertextual entre ambas, sin embargo, este es complicado de conseguir y aun hoy lo sigo buscando. Pese a esto, logré sacar algunos elementos que podemos trabajar con una obra mas cercana y accesible para todos: Bodas de Sangre de Federico Garcia Lorca. Obviamente, es mucho mas reciente. Pero los antecedentes de esta también tienen tintes de las obras gitanas de la edad media que nos sirven para tomar algunos elementos importantes. Hablemos de lo macro a lo micro. La historia del álbum se desarrolla en 11 capítulos, el primero utiliza la prolepsis (un recurso narrativo para irrumpir lineas temporales en la historia) para hacer conocer al lector la problemática que se presenta a través de imágenes que aluden a un palpito negativo o a ensoñaciones premonitorias. En esta canción, vemos un elemento que se volverá repetitivo a lo largo de todo el álbum: la luna. Pese a que puede parecer insignificante, es esta, elemental en la simbologia gitana. En Bodas de Sangre, la luna es un personaje ambiguo, que si bien, mantiene dentro de sí una representación de la feminidad, uno de los pilares cumbres del álbum, también comunica los mensajes trágicos y anuncia la muerte. Esto los complementan con el video, que nos muestra imágenes re-interpretadas de pinturas como Lamentación Sobre el Cristo Muerto. Las imágenes religiosas van a ser visualmente muy importantes dentro de todo el disco, desde el uso en portadas de los sencillos como en los videos. A este le sigue el capitulo: Boda, que es la canción Que No Salga la Luna. Esta tiene muchos elementos que apoyan la narrativa y generan un trabajo envolvente. El primero es que desde el título confirmamos a la luna como un elemento primordial que pasa de ser simplemente un ornamento del ambiente de la noche para convertirse en un personaje mas, que todo lo ve y que todo lo oye. No ha de salir porque no ha de oponerse a la consumación de una fatalidad ya anunciada, que como lectores-oyentes también conocemos. Ahí viene el segundo elemento importante y es que, Rosalia no solo nos está mostrando un disco y contando una historia, sino que nos hace parte de ella, aun sin poder actuar como agentes de cambio en algún punto, Estamos en cierto nivel, igual de privados a lo que estará la protagonista de esta narración. El tercer elemento es el cuchillo, que parece menos brillante que la abundancia de oro que rodea la canción, sin embargo es este un símbolo importante. El cuchillo representa una imposición masculina. Retomando la lectura del libro de Lorca, es este también un anunciante de mal presagio. El filo solo aparece cuando acciones negativas están a punto de suceder, en esta ocasión en ambas historias, tanto en El Mal Querer como en Bodas de Sangre, cuando se consuman las bodas. El acompañamiento visual en la portada, según lo que puedo entender, puede ser una unión irreparable con el dolor, aquel que precede el calvario que está por vivir la protagonista. El tercer y cuarto capítulo está dado desde otra mirada. El primero nos mostraba una prolepsis autoreferencial, donde veíamos desde los ojos de la protagonista, el segundo es un narrador distinto, participe de la boda, por esto nos sentimos también cercanos a esta, incluso podríamos ser nosotros los mismos narradores. Estos dos, están vistos desde el lado del hombre quien cometerá las fechorías. En estas canciones viene el punto de tensión de toda la narración. Pienso en tú Mirá es la descripción del cuadro celopata del marido quien teme por perder a su esposa a manos de otro a tal punto que la encierra en De Aquí No Sales. Reniego es el primer lamento de la protagonista donde desde la portada, que tiene un cristal roto, se quiebra la visión romantizada del matrimonio donde siempre se está bien porque se está en compañía. Preso es un interludio muy claro de lo que viene en la segunda parte del álbum, puesto que se habla de bajar al infierno por amor, la pregunta es ¿Por qué bajar al infierno si es el matrimonio una unión mas cercana al cielo cristiano? Bagdad si bien es una ciudad, ya está más que claro por otras reseñas y por la misma Rosalia, que se habla de una referencia a un sitio nocturno reconocido. Flamenca, al igual que Bodas de Sangre cometen un error irreparable ante los ojos de la iglesia: la infidelidad. En la portada vemos señales, como la curación de los clavos de los pies con oro y la serpiente del pecado como soga de sentencia, por eso esta canción presenta una ambigüedad en su lìrica donde se muestra una pena pero al mismo tiempo el disfrute por las acciones. Di Mi Nombre es la representación del acto sexual consumado. El siguiente capitulo trae el otro elemento importante de la obra de Lorca, la nana. Es una de las canciones mas tristes del álbum, puesto que nos habla de un niño no nacido, basada en dos nanas reconocidas, la protagonista nos muestra una canción melancólica de arrullo a un niño que nunca va a despertar. En la siguiente canción vislumbrando el final del disco, vemos nuevamente el elemento "trágico", el cuchillo. Desde la portada, que muestra la espada de Damocles, hasta el final de la letra donde en medio de un dilema moral, la protagonista quisiera no estar cuerda para dejar de querer, asesina a quien al mantiene prisionera. Emancipándose de cualquier relación patriarcal, el final de esta obra culmina con su libertad no solo como individuo preso sino como mujer. En conclusión debo repetir que este álbum es una gran obra, posiblemente una de las mejores hechas en estos últimos tiempos donde no solo se genera una narrativa que es un remake de otra, sino que se complementa con elementos visuales hechos en los videos y las portadas y con la producción que induce elementos de lo clásico a lo actual. A estas alturas es difícil que no lo hayan escuchado y aun así los invito a hacerlo de nuevo y disfrutarlo como lo que es, una obra intertextual y mutimedial exquisita.
Se termina octubre, tan solo dos meses nos separan de un nuevo año. Y, como ya saben, en esta ocasión al igual que (casi) todos los meses traemos una nueva edición de Planeta Sonoro, donde dedicamos un espacio a la música que nos gusta así no entendamos, de esta manera, dibujaremos de a poco un mapa que nos permitirá viajar con solo darle click al play. Bienvenidos.
Hoy volveremos a latinoamérica en compañía de @vas_y_vienesdesde Perú, a quien conocí gracias a las redes sociales y a quien pueden leer el el blog El Amarillo !Viva la tecnología porque nos permite compartir música con personas de cualquier parte del mundo! Gracias a él por su participación.
Pueden seguir nuestras playlists de Spotify y Youtube donde encontraran compiladas todas las agrupaciones :)
¿Han escuchado esa teoría sobre que el punk lo inventaron Los Saicos en Perú? Prefiero verlo como una anécdota antes que una realidad ,debido a que hay un contexto ajeno al origen del género. Igual, esto no quita que bandas que han tenido momentos de gloria como los Black Lips han nombrado a Los Saicos como uno de sus referentes musicales, pero a veces, con algo de ligereza, imagino que también pudieron mencionar al cómico Melcochita (Pablo Villanueva) cuando “colaboró” con Los Yorks a finales de los años 60.
Esta es una anécdota dentro del rock peruano, cuando Los Yorks hicieron un cambio de disquera en medio de su mayor auge, de MAG a El Virrey, los primeros intentaron seguir capitalizando con la popularidad de la banda al lanzar abruptamente un nuevo vinilo. Lo único que hicieron fue agregar vocales a pistas instrumentales que la banda dejó como descartes. El elegido para ser la voz de este disco apócrifo fue el ya mencionado Melcochita, quien no duda en darle un carácter salvaje a su breve e ilegal participación en la historia de la banda. De este modo nacen temas con nombres algo simples pero llamativos como “El Loco”, “El Preso” o “El Psicodélico”, todos ellos cargados de un espíritu desconcertante. Alaridos y disfuerzos líricos dan pie a momentos salvajes que van contra la norma en el pop y rock de la época.
Actualmente el legado de Los Yorks es innegable, y mucho más el de Melcochita, quien como sonero o comediante ha logrado un lugar importante en la cultura popular peruana. Sobre su etapa de rockero ya no se habla mucho, dependiendo cómo se le mire puede ser un mal o buen chiste, eso queda en cada uno. Como ya dije, de haber decidido pulir sus habilidades quizás hasta inventaba el punk.
2. CHACALÓN Y LA NUEVA CREMA – LA PAZ Y LA DICHA
Quien alguna vez ha oído alguna canción de Chacalón (nacido Lorenzo Palacios) seguramente conoce la frase “Cuando Chacalón canta, los cerros bajan”, un claro ejemplo de la popularidad del cantante en relación a los sectores marginados de una Lima en constante crecimiento demográfico. Hablamos de los años 80, la capital peruana crece debido a las migraciones propias de un poder gubernamental siempre centralizado. La Lima urbana creció hacia los cerros, donde a lo que esto pequeño resumen le compete, la mezcla de realidades generó una fusión entre la cumbia y huayno, dando por resultado un nuevo estilo de cumbia costeña.
¡La nueva Lima tenía su propio género musical!
La tristeza y vivencias del migrante marginado encontraron su voz en la música de Chacalón y otros exponentes de esta nueva música. La Paz y la Dicha es uno de los mejores temas introductorios para quien busca conocer más del denominado “chinito de los andes”. Ello al sintetizar bien algunos de los componentes más característicos del género: de los ritmos bailables a la lírica de noble emprendimiento, pasando por la protagónica presencia de la guitarra eléctrica. La canción toma por momentos cierta reminiscencias a enseñanzas propias de un texto bíblico, sobre todo en los coros, y, seguro sin ser coincidencia, como si se tratara de una figura que conoce los límites invisibles de su legado Chacalón dice “El día que yo me muera al escuchar esta linda melodía tus ojos, tus ojos, se llenaran de lágrimas, tu corazón se estremecerá, te lo dice Chacalón y la Nueva Crema”. Vaya que tuvo razón.
3. ADA Y LA NUEVA PASIÓN – LLORANDO TU PARTIDA
Saltando algunos hitos de la música popular peruana, llegamos al fin de los años 90, donde se generó el boom de la denominada tecnocumbia. El mismo nombre se utilizó en otras partes del continente, pero la tecnocumbia peruana terminó siendo una versión modernizada de la cumbia local, agregándole teclados y sintetizadores a la ya mencionada fusión entre ritmos tropicales y andinos. Pese a ello la principal característica que me gusta atribuirle es la exposición mediática que alcanzó, llegando a los horarios estelares de la televisión y cada casa que tenga una fiesta un sábado por la noche. Vale decir que las clases dominantes la disfrutaban con cierto exotismo u otorgándole categoría de placer culposo, pero no se puede negar su relevancia, siendo el género musical que definió el cambio de milenio.
El gran hit de Ada y la Nueva Pasión fue la adictiva "Te Arrepentirás" pero solo quiero hacer referencia a ella como contraparte a "Llorando Tu Partida" pues es esta la que encierra perfectamente uno de mis tópicos favoritos en la música moderna: el llorar en la pista de baile. Mientras "Te Arrepentirás" simboliza el empoderamiento propia de quien menos sufre tras una ruptura amorosa “Llorando Tu Partida”, como su nombre indica, simboliza los instantes más dolidos. Basta unos pocos segundos de la introducción instrumental para saber lo que se viene, una catarsis emocional o algo más de tres minutos donde el despecho se encuentra validado, la vulnerabilidad no resta sensualidad y la composición evoca cierta emotividad, tópicos presentes en cada género musical que ha tenido cierta popularidad en las últimas décadas. El que no lo crea que recuerde a sus amigos indie llorando en la disco cuando escuchan temas como Dancing On My Own de Robyn. No nos hagamos los locos.
4. TURBOPÓTAMOS – ELISABEL
El primer disco de los Turbopótamos debe ser uno de los acontecimientos más relevantes dentro de la todavía prematura historia del rock peruano del siglo XXI. Como quien sabe que lo que posee es especial el cuarteto nombró a lo suyo como “skabilly”, mezcla de ska y rockabilly —oh, obviedad—, siendo esta la parte superficial que da paso a canciones llenas de energía, soltura y creatividad atípicas a su época. Luego de unos años llegaría No Love, segunda producción de estudio de la banda, donde, como toda banda comprometida con su crecimiento, buscarían domar su sonido y a la par ampliar influencias.
Elisabel, a gusto personal, es de las canciones que mejor logran el cometido de llevar el sonido de los Turbopótamos a un terreno distinto pero pese a ello no necesariamente a uno que suene moderno. Basándose rítmicamente en la versión que los Rolling Stones hicieron de Susie Q, la banda entrega una apropiación de la clásica canción de amor no correspondido existente desde épocas inmemoriables. De haber querido sonar a rock o pop clásico esto es lo más cercano que los Turbopótamos pudieron ofrecer y aún con ello el resultado siguió estando un paso adelante a muchas de las bandas contemporáneas suyas en el 2007.
Ahora, luego del paso de por lo menos un par de eternidades, la banda ha lanzado un nuevo tema, la inmediata Terremoto, especie de reggaetón rock el cual ha desencajado a más de uno de sus fanáticos más conservadores. Conociendo la versatilidad de Turbopótamos es difícil definir qué significa esto para el futuro de la banda, puede que una vez más están adelantados a sus contemporáneos y muchos ni enterados.
5. LA LÁ – LA FELICIDAD
Considero “Zamba Puta” un suceso en aquel pequeño círculo que termina siendo la escena musical peruana. Sin ataduras a los géneros populares entre los artistas alternativos La Lá no solo logró lanzar una producción que consolide su carrera, a la par, es una honesta confesión sobre los altibajos de ser mujer: va sobre el vivir en una sociedad machista a su rol como madre e hija. Cada confesión o relato que La Lá canta se apoya de una lírica limpia ajena a sarcasmos e inteligente en sus momentos de humor, la base rítmica que la acompaña a lo largo de las nueve canciones abarca ritmos peruanos, del resto de Latinoamérica y jazz.
Centrándonos en La Felicidad, mi canción favorita en la carrera de La Lá, encontraremos una energía ligeramente distinta. El apartado compositivo es un vals que crece a paso galopante de cajón peruano e instrumentos de viento, mientras la parte lírica es un emotivo reconocimiento póstumo a su madre. Muchos de los versos más bellos de La Lá los puedo encontrar aquí desde los primeros segundos (mi ejemplo favorito se da en el inicio con aquel “Tú, suceso en la ceniza/ tú me enseñaste la vida/ a partir un monte de cosas/ para alcanzar mi alegría”) siendo cantados con una carga sentimental pocas veces igualada en el resto de la canción. La perfecta manera de cerrar un disco y ciclo.
6. FABRICIO ROBLES – MIRAFLORES
En los últimos años Perú, o Lima si le echamos la culpa a la centralización, ha visto surgir una generación de jóvenes músicos distinta a las anteriores. Caracterizados por estar en mayor contacto con sus sentimientos en vez de dejarse llevar por emociones, esta generación crea obras de notable carácter empático y delicada composición. Bajo esta premisa, pero con estilos algo distintos entre sí, hallamos las obras de Octavia de Cádiz, El Cuarto de Juegos o la Negra Valencia por poner unos ejemplos.
Miraflores, de Fabricio Robles, es uno de mis ejemplos favoritos al hablar de esto. En su balada folk de aires épicos, el joven compositor nos transporta a una fiesta sin alma en el distrito de Miraflores, conocido en la capital peruana por su privilegio y vida nocturna. Se hace notoria la meticulosidad académica en la composición de esta canción, pasando de la completa desnudez a una majestuosa sección de instrumentos de cuerdas y vientos cerca al final. Quien escuche su más reciente trabajo, Dónde, encontrará varios géneros de música latinoamericana estudiados bajo formato folk pop, pasando por vals criollos, marinera norteña y ritmos afro-brasileros.
7. RENATA FLORES (CON KAYFEX) – TIJERAS
En un país poseedor de una cultura milenaria no debería convertirse en una sorpresa poder encontrar proyectos como el que lleva a cabo Renata Flores, o por lo mínimo no tendría que ser un caso exótico el escuchar rimas en quechua entre cientos de canciones en español. Pero lo es.
Este año la joven cantante de 17 años ha ayudado a cortar estas brechas gracias a su single Tijeras, donde no solo logra una perfecta unión entre ritmos de moda y letras en lengua autóctona, sino también se encarga de acercar géneros tales como el trap y RnB a terrenos ajenos como podría ser la danza de tijeras (esto gracias a la producción del DJ Kayfex). Una mezcla de pasado y presente que fluye con naturalidad: honrando la tradición, acercándola a una nueva generación y sin quitarle el ojo al futuro. Si esto no es suficiente para estar interesarse en la propuesta de Renata Flores, nótese que lo suyo no va por ser una postura superficial en la música y culturas autóctonas, quien lea la traducción o notas de prensa tras sus singles encontrará una fuerte postura feminista en relación a temas de violencia y machismo.
En una sociedad repleta de artistas consolidados intentando alejarse del comentario político o social para evitar ser rostro en un debate necesario es grato ver músicos jóvenes comprometidos a ideales. Claro, aparte de también buscar hacer surgir propuestas que, en teoría, podrían ser impopulares en nuestra cultura contemporánea.
8. SANTA MADERO – PERO FRÁGIL
Hoy en día Santa Madero quizás sea el caso más curioso en la escena musical peruana. Hablamos de un sexteto de muy jóvenes músicos (el promedio de edad en la banda es 18 años) que con solo un single han logrado movilizar a la mayor parte de la prensa musical peruana. Pocas veces hemos visto este tipo de acontecimientos por esta parte del Pacífico.
Y no es para poco, Pero Frágil es una canción que merece todas las loas que hasta el momento ha recibido. Seguidores de proyectos como Buscabulla o el RnB de tintes setenteros podrán encontrar algo llamativo en esta canción de espíritu nocturno y personalidad refinada donde se cruzan el dream pop con las percusiones latinas. Si las siguientes canciones de Santa Madero significan una consolidación de estilo no veo problemas para calificarlo como un proyecto peruano de posible gran prestigio en tierras internacionales, claro, en un mediano o largo plazo. Todo a su tiempo, que el talento ya se ha hecho presente.
Me cuesta creer que alguien no haya escuchado nunca esta canción. Por gusto, por error o por herencia, considero que es un tema cumbre en las fiestas familiares y eventos de protocolo en general. La pongo aquí, porque fue mi primer acercamiento personal a Perú. Recuerdo haber sido muy cercana a una familia que gustaba mucho de la cumbia. En una de sus reuniones, a las que asistí, dado un momento concreto de la noche, el grupo contratado para amenizar la reunión dejó caer el característico inicio y cual llamado de la selva, todos, niños, jóvenes y adultos se levantaron a bailar. Una de ellas me dijo "la canción de la familia" y desde ahí siempre los recuerdo.
Con el paso del tiempo, cuando me acerqué de manera mas formal a la música, me fui dando cuenta de quiénes eran Los Mirlos, los charapas de oro y del peso que marcaba su nombre. Nacidos a finales de los años 60, se han consolidado como una agrupación representativa dentro de la cumbia peruana, reconocimiento que les sirvió para difundirse por el resto del mundo con su gran marca. Es el sello de la latinidad frente a los extranjeros, un símbolo representativo de las caras de su país que se vio compartido con agrupaciones como Juaneco y Su Combo, Los Orientales de Paramonga, Los Invasores del Progreso y muchos más.
10. MARIA T-TA - LA DESBARRANCADA
Maria T-ta nos hace ubicarnos en los años 80, cuando la escena de rock subterráneo era completamente liderada y conformada por hombres. En este contexto llega Patricia Roncal. quien joven y extrovertida se impuso a las patadas dentro de este movimiento. Digamos que no fue la mejor cantante que salió del Perú, pero no es por esto que es recordada. Su merecido honorario está enfocado a el sarcasmo de sus líricas, con el que criticaba , de manera irónica, todas las problemáticas que acarreaba su posición dentro de su contexto. También fue líder de tres agrupaciones, que tal parece, no duraron mucho.
Leyendo me encontré con anécdotas donde gente que trabajo con ella afirma que en un inicio la insultaban, le tiraban objetos en incluso en algún momento los bajaron con ladrillos, pero que aun así la marca de este personaje es imborrable, fue una de las pioneras, que abrió paso para que en un futuro mujeres pudieran incursionar en esta agitada generación de machismos artísticos. Es esta mi canción favorita, una burla al intelectualoide, me hace reír mucho. "pero como no soy una chica común no soy una comunista,como me tiro al Marco soy marxista"
11. NOVALIMA - SANTERO Sí, latinoamérica está permeada de la tradición indígena, sin embargo, todos reconocemos y apropiamos la descendencia africana en nuestra cultura actual. Novalima, con 15 años de trayectoria se ha impuesto como uno de los grupos pioneros en la música electrónica afro-peruana, a los que le siguieron proyectes como Afroloop o Vitu. Con mezclas de Reggae, Dub, Afrobeat, entre otras, han conjurado a los espíritus del Perú negro y han abarcado muchos escenarios alrededor del mundo, donde han conquistado y encajado perfectamente por la cantidad de influencias que corren por su instrumentación.
Son una agrupación con un bagaje musical enorme que la convierte en un proceso constante de búsqueda y revitalizacion. Con cada gira realizada, vemos a Novalima regresar con ideas frescas y diferentes que hacen sus trabajos únicos entre sí a pesar de todos apuntar aun mismo concepto general
Considero, que en grupos como este desemboca la herencia de Chabuca Granda. La música negra ahora se baila en todos los rincones del mundo, se pone en la discoteca, se disfruta.
12. BANANA CHILD - LA CURA
No sé qué tanta fuerza tenga esta banda dentro de su país o su escena, a mi me parecen espectaculares. Mas allá de mi gusto un poco obsesivo con el surf-rock, puedo ser mas objetiva y decir que los Banana Child tienen en realmente una propuesta muy interesante y fresquita, pese a que están enmarcados bajo el lema retro de la música sesentera.
Siento que en este género tiene unos arquetipos tan remarcados que es complicada la innovación. Ya conocemos los sonidos característicos de las guitarras, al igual que la batería pero ¿qué hay mas allá? Aunque muy de vez en cuando caen en patrones repetitivos, entre los dos álbumes realizados vemos como el concepto se va consolidando y definiendo, apropiándose de su lengua, de su contexto y tomando colores e imágenes que los hacen definirse dentro de muchas otras agrupaciones. Espero que pronto estén pisando tierras colombianas.
13. KILL AMIGO - RELAJANTES MUSCULARES Si tuviese que definir a Kill Amigo en una palabra diría adolescencia. Cada que los escucho, me imagino a mi hermano en los diez y pico montando patineta y escribiendo viva el punk en los muñecos de mi hermana cada que ella estaba desprevenida. Si bien, su sonido está enmarcado en ese retrato del punk rock de los 2000, El Filin Ha Muerto esta lleno de situaciones difíciles que no todos tenemos que enfrentar siendo jóvenes. Depresión, desamor, narcóticos y procesos complicados es lo que nos presentó en 2017 el debut de cuatro chicos que según vi, se han consolidado muy bien en la escena peruana.
Valdo decía con Ada Y La Nueva Pasión que el llorar en la pista de baila se consolidó como temática moderna para la música, pues, acá lloramos en el centro del pogo.
14. GOMAS - EL VERANO MURIÓ Así como Kill Amigo es el reflejo de lo adolescente, escuchar a Gomas es vivir en loop la infancia. Esta banda me dio uno de los videos más lindos del 2016 y desde entonces cada que la escucho solo pienso en el baile de los niños cuando están felices y en lo libres que se sienten cuando corren. Aun así siendo el reflejo de una edad en la que fuimos felices sin darnos cuenta, no generan una melancolía de lo que ya no está, sino mas bien despierta el niño que a veces se nos duerme. Es un pop contagioso y sonriente con el que invitaría a alguien a dar un paseo.
No podemos agregar que tengan grandes artilugios instrumentales, pero la música buena no siempre es la complicada y llena de arreglos o extravagancias. Esta banda florece en la belleza de la simplicidad.
Bajo la mano de seis integrantes, se han convertido en un referente al hablar del indie pop actual de este país, compartiendo conceptos similares con agrupaciones como Golden Cameleon o incluso un poco Dan Dan Dero.
15. MENORES - PISTOLAS
Poco es mi conocimiento del movimiento del trap y del rap en Perú y en general en latinoamérica, debo confesar. Menores para mi es uno de los pocos acercamientos que he tenido a este género en dicho país y aun así, en mi corto panorama, considero que a nivel latinoamérica tienen un concepto muy particular en su proceso creativo. Hace no más de un mes salió a relucir su última entrega el EP Estados Invisibles y puntualmente me parecen muy llamativas las bases sobre las cuales van lanzando sus líricas. El juego con los elementos electrónicos les brinda una atmósfera que no he escuchado en otros proyectos.
Junto a esto, también las acompaña un trabajo gráfico que consolida la propuesta melódica que le brindan a los oyentes. Es un trabajo contundente, limpio, muy profesional, compuesto por mujeres que han tenido proyectos parecidos. Definitivamente la unión hace la fuerza.
Para nadie es sorpresa que uno de mis intereses personales es la visibilizacion y la difusión de las artistas mujeres dentro de la industria de la música y de los oyentes. En esta ocasión traigo una edición especial de mujeres recomendadas para el Festival Hermoso Ruido que está a punto de empezar. Para esta edición la participación femenina esta datada en casi un 40% en la totalidad del cartel, 15 bandas, entre mixtas y solistas. Así mismo en convenio con el evento Colombia 4.0 se llevaron 4 panelistas a las charlas.
¿Conoce usted a las mujeres participes de este cartel? si no, es esta una gran oportunidad para hacerles el rastreo y tal vez dentro de estas esté su próxima banda favorita. Estas son mis favoritas, pero les voy a dejar unaplaylist que las incluya a todas (a excepción de Eva Luzia quien no está en la plataforma) para que puedan decidir ustedes.
HUAIRA - PERÚ Puede que este nombre no les suene familiar, pero estoy segura que reconocenColibria, una de las canciones mas escuchadas de Nicola Cruz. Pues, la mujer que canta en dicha canción, llamada Daniela Baquero, pero conocida como Huaira Ukay este año nos presenta —el que, si mal no estoy— es su primer trabajo. Un EP titulado Ñuka Shunku.
Es un trabajo hermoso el que nos llega desde tierras peruanas, que mezcla música indígena, naturaleza, el yo, mezclado con elementos electrónicos.
Electrónica chamánica le digo yo..
ALEJANDRO Y MARIA LAURA - PERÚ
Música para el corazón. Si yo pudiese definir a Alejandro y Maria Laura, diría que son una representación del romance, del amor y el desamor.
Nos presentan canciones para sentarnos en un paisaje soleado, mientras disfrutamos de la compañía de aquel a quien queremos. incluso así sus letras sean un tanto triste de vez en cuando.
Son muy intimistas, hermosas.
ARRABALERO - COLOMBIA
La primera vez que vi esta agrupación no me gustó. Quizá el sonido o ya el cansancio, pero no logré conectarme con la banda de la manera que me hubiera gustado.
Sin embargo, hace menos de una semana decidí verlos de nuevo. Vaya sorpresa que me llevé. Tienen un concepto muy interesante y suenan muy bien. Jazz, rock, ácido, pesado, muy envolvente,
La energía de los instrumentos contrastando con la voz de Luisa genera una atmósfera muy interesante.
STALLONE - COLOMBIA
Cuando vemos el género que registra esta banda capitalina en su página de información en facebook, nos encontraremos con un lo-fi underwater surf.
Stallone, es una agrupación cargada de un montón de géneros, escucharlos es pasar por rock, surf, un poco oscuro y reverberado e incluso por el pop, constituido en su mayoría por mujeres (Mercedes, Tania, Paula y Juan Carlos).
No he tenido la oportunidad de verlos en vivo, tal vez podría esta ser la primera.
MABILAND - COLOMBIA
Esta es una de las artistas nacionales que mas ha tomado fuerza este año.
Uniendo elementos del R&B, del soul y del rap, Mabiland trae a nuestros oídos uno de los mejores álbumes de todo el 2018. (acá pueden leer la reseña de dicho trabajo) Este está lleno de historias, mostrándonos quién es a través de su música y sus líricas.
Mostrándonos otra cara de la herencia negra, esta artista es hoy por hoy, una de las mas importantes del género.
SEXORES -ECUADOR
Sexores ha sido una agrupación esponja y es que, con el paso del tiempo han venido adaptando sus sonidos a los movimientos que han tenido al rededor del mundo.
Principalmente podemos decir que tiene una base solida enmarcada en el shoegaze, sin embargo abarcan otros géneros como el dreampop. Los elementos electrónicos, en unos momentos más marcados que otros, se volvieron también primordiales en su marca como banda y son estos los que le dan un toque menos romántico y transforma su atmósfera convirtiéndola en tonos mas oscuros y misteriosos.
PAOLA NAVARRETE - ECUADOR
Paola es solista, su proyecto está netamente enfocado al dreampop, tiene una voz muy dulce y viene, en esta ocasión con Verde Fugaz, álbum que salió a mediados de junio del presente año.
Personalmente no conozco muchos proyectos ecuatorianos de pop, tal vez, porque pareciera que actualmente muchas bandas se están enfocando en sonidos diferentes, así que esta es una buena oportunidad para acercarse a otra cara de la música ecuatoriana
ËDA - FRANCIA/ COLOMBIA
Esta propuesta la conocí recientemente con los anuncios del cartel. Tienen elementos de música tradicional latinoamericana, sin embargo considero que están bien diluidos entre los elementos electrónicos que usan y el juego que tienen con la voz.
Les tomé gusto por la canción Silencio, una reversión de uno de los poemas mas lindos de Octavio Paz, titulado con el mismo nombre.
LAO RA -COLOMBIA
Siempre he escuchado opiniones divididas con respecto al trabajo de Laura Carvajalino, conocida mejor como Lao Ra. A mi, en lo personal, me parece una artista con música divertida y llena de colores.
No tiene una gran complejidad ni en letras, no son líricas que te hagan sentar a pensar o que te pongan triste y/o melancólico, lo que sí tiene es la capacidad, por lo menos conmigo de ponerme a bailar en cualquier momento y un juego visual bastante llamativo.
La cara fiestera del Hermoso Ruido.
LAS YUMBEÑAS -COLOMBIA
Es posiblemente esta una de mis bandas favoritas a nivel nacional. Las Yumbeñas, han llevado el despecho y lo han convertido en algo rosa, además de punk.
Llenas de letras tristes, han hecho cantar a todo aquel que va a sus toques. Estaremos pronto con un álbum nuevo en nuestras manos después del gran éxito que tuvo en nuestros corazones rotos y tristes Me Cansé de Llorar Voy a Vomitar.
estos son los horarios para que se programen a esta edición del Festival Hermoso Ruido:
"...Ese non serviam quedó grabado en una mañana de la historia del mundo. No era un grito caprichoso, no era un acto de rebeldía superficial. Era el resultado de toda una evolución, la suma de múltiples experiencias.
El poeta, en plena conciencia de su pasado y de su futuro, lanzaba al mundo la declaración de su independencia frente a la Naturaleza..."
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