Especial: Un día en el mundo con la deriva de Vetusta Morla

Fotografía: Daniela Trujillo

Por: Juan David Molina


El pasado seis de septiembre la creadora de este blog escuchó por primera vez a Vetusta Morla. Para quien escribe, resultaba inaudito que la mujer más melómana de américa del sur no se hubiera topado nunca con el grupo español. Fue faltando dos horas para la realización de la presente entrevista cuando, tras haber robado el wifi de un establecimiento público, me senté junto a ella y la encaminé por el camino santo.

El arte de Mismo sitio, Distinto lugar la deslumbró tanto como la voz de Pucho respirando por su oído izquierdo. La guitarra de Guillermo Galván la estremeció. El bajo de Álvaro Baglietto la silenció. David García le dio vida entre los estruendos rítmicos de su batería y por poco Juan Manuel Latorre la logra hacer bailar. Menos mal que Jorge González la mantuvo estable. Lo que fue una mañana tranquila pudo haberse convertido en el Concierto Radionica del siguiente día. 

Quien ha oído por bastante tiempo a un grupo, entenderá el sentimiento de escuchar una canción como si fuese la vez primera. Cierto sonido y cierta voz quebrarán cierto latido mientras la música no deja de manifestarse viva. Oír a Vetusta Morla junto a alguien que registraba un nuevo latir sonoro, fue gritar Valiente en el Copenhague que ha sido Bogotá para quienes nos hemos perdido en un par de Cuarteles de Invierno. Es por esto que al poder sentarme por unos minutos con la banda, me resultó inevitable no hablar del tiempo, los espacios, las ciudades y los viajes. De este modo, un día en el mundo se alejó de los días raros que aún naufragan a la deriva. Agradezco a Nonserviam por  la oportunidad y trascribo a continuación la entrevista que culmina con un punto sin retorno. 

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Los últimos dos conciertos son los que han tenido más difusión a nivel del público que habita la ciudad ¿cómo han sentido ese proceso de cambio que se manifiesta también un poco en los álbumes? Antes de venir acá, escuché de nuevo cada uno de ellos y noté algo muy bello: la forma en la que todo ha evolucionado hasta Mismo Sitio, Distinto Lugar. Todo se ha sentido como un viaje a la deriva que ha terminado en un sitio y quisiera saber si esto se relaciona con su evolución como banda.

David: Bueno, es una pregunta complicada, estamos hablando de un tramo de mucho tiempo, muchos años. Nosotros tenemos la suerte de que gracias a los discos podemos ir haciendo giras y bueno, la primera vez en Colombia, no sé cuándo fue, fuimos al Estéreo Picnic aquí en Bogotá, ojalá podamos repetir en algún momento y estuvo muy bien, ya notamos que había una buena recepción por parte del público y desde ese momento Colombia se convirtió en parte indispensable de nuestras giras como lo es cualquier ciudad de España y la evolución se nota con cada visita que hacemos, notar el calor del público cada vez más grande

Me interesa saber la construcción de los álbumes, el uso de los conceptos. Siento que cada álbum es muy conceptual y que el progreso de cada álbum es un concepto que se va hilando. Quisiera saber cómo es el proceso, el nivel de conciencia para hacer conceptual todo. 

Guillermo: Bueno, partiendo del último disco que trata más lo formal, queríamos dar un cambio a nivel de producción, de sonido y para ello sentíamos que la mejor manera de hacerlo era cambiar el proceso. La pre-producción fue distinta. Grabamos con otro productor, Carles Campón, grabamos en un estudio de Berlín, trabajamos con Dave Fridmann, uno de los productores de cabecera de mi músico favorito que tuvo un proceso dentro de la mezcla a nivel creativo muy importante. Nosotros veníamos de hacer discos donde en las mezclas se dejaba colocado todo lo que sucedía en el estudio, pero quizás lo que hacíamos era peinar lo que ya había. Pero en Mismo Sitio, Distinto Lugar se tomaron muchas decisiones que tienen que ver con los arreglos y la esencia misma de cada canción. 

Entonces, yo creo que Mismo sitio, Distinto Lugar sí que ha sido un disco en el que quizás el concepto no es tanto lírico, aunque tiene mucho que ver con romper un montón de cosas y cambiar no tanto el objeto sino el punto de vista, mirar las cosas de otra manera y usar la ironía y el desconcierto. Hablar mucho más de nosotros mismos de lo que habíamos hablado hasta entonces. El resto de discos eran como más de lo que estaba sucediendo fuera, sobre todo La Deriva, que era quizás el disco más frontal en el sentido lírico de contar lo que pasaba a nivel social. Era un disco centrado a nivel rítmico. Veníamos de Mapas, que era mucho más atmosférico y cinematográfico, con introducciones muy largas a las canciones, con muchas texturas y capas. Era un disco para escuchar con los ojos cerrados y La Deriva era uno para escuchar con los ojos abiertos, ¿no? y Un Día en el Mundo, volviendo al concepto, al final era un disco de presentación, era elegir lo mejor que habíamos hecho hasta el momento y sacar la interpretación de los temas. Veníamos de hacer muchos conciertos y para nosotros el fuerte era hacer una foto de lo que era Vetusta Morla en directo y eso fue un poco ese disco. Una tarjeta de la banda  a nivel estético, un grupo humano tocando y siendo una piña. Es bonito ver cómo en cada disco te planteas un reto nuevo de intentar no repetir lo que has hecho en el anterior. 

Quisiera hablar ahora de la parte visual. La forma en la que esto se relaciona con los sonidos dentro de los álbumes es bastante peculiar. En el último álbum se nota cómo se integra todo en cada video que acompaña las canciones: se unen, se deshacen, van y vienen un montón de cosas ¿cómo es el proceso de definir lo visual, lo gráfico y lo cinematográfico?

Jorge: Bueno yo creo que no podemos unir lo que es el proceso de la creación del arte de disco, de la producción del álbum en formato físico a cómo se conceptualizan los videoclips o algunas piezas que en esta gira que hemos podido desarrollar en redes sociales para ir contando en cierta medida lo que hemos ido viviendo con los conciertos. Estamos en un momento en el que hemos aprendido un montón que cada medio tiene su código, pero lo importante para nosotros es que cada que hacemos un planteamiento que complemente a la canción haga que sea una experiencia la hora de abrir un vinilo, con las ilustraciones y con un formato distinto intentando explicar y llevando el concepto más allá del disco. O que cuando planteamos una pieza para instagram de un minuto en la que cuenta cómo fue el concierto en Lima o en Albacete o en la ciudad que sea, hemos tratado de enlazar las ideas y sacar del disco algunas sonoridades, las sacamos de contexto y las hemos utilizado para ambientar eso.

Ha sido un trabajo bien bonito a la hora de poder contar cosas, ya que cada videoclip tiene su propia historia. Influye mucho también si es un videoclip que sirve para decir “hola, Vetusta Morla vuelve con un nuevo disco que se llama Mismo Sitio, Distinto Lugar” a otro videoclip que es un reflejo del día en el que tocamos en Madrid frente a cuarenta mil personas. Necesitamos dejar eso en imágenes, una vivencia nuestra personal junto con un montón de gente que nos ha apoyado y que está ahí. Pero todas esas cuestiones visuales lo que pretenden es llevar lo que queremos, contar un poco más allá, teniendo una identidad por sí mismas.

Hablando un poco del gran alcance que han tenido desde hace un par de años, todo el tiempo los veo en muchas ciudades, de un lado a otro. Algo que siempre me he planteado sobre ustedes es la relación que tienen a veces con los espacios. Desde las líricas y el concepto, tanto como la canción Copenhague que siempre fue un himno hasta pasar a 23 de Junio ¿Cómo ha sido su relación con los espacios a través de la música?

Guillermo: Es un tema sobre el que hemos pensado en este último disco bastante. Mismo Sitio, Distinto lugar hace referencia a eso, que al final las canciones no dejan de ser espacios que tienes que habitar y que dependiendo del momento de tu vida o de la persona, se habitan y se sienten de una manera distinta. Incluso en la misma canción. No es lo mismo escuchar algo cuando tienes dieciocho años y te da pistas de lo que quieres ser como ser humano, que cuando tienes sesenta años. Las canciones siendo las mismas, funcionan de manera distinta. 

Y yo creo que las ciudades al final, sobre todo en la segunda mitad del siglo XX, han tenido un peso importante dentro de la literatura, dentro del cine y de los movimientos culturales que a nosotros nos han podido tocar, significan cosas. El hecho, por ejemplo de ir a Berlín a grabar significaba algo también, siempre decíamos que Berlín era una ciudad llena de capas y donde habían pasado durante el siglo XX cosas muy importantes cada diez años prácticamente. En el mismo lugar hubo una guerra mundial, el telón de acero, movimientos culturales en los 70, el punk, la caída del muro y eso también tiene que ver con el imaginario colectivo y yo creo que trabajar sobre ciudades en el siglo XXI cuando hay gente que tiene todo eso presente, te permite trabajar con capas que están por encima de la canción, son cosas que han vivido la gente. Cada uno se construye en su cabeza lo que es Berlín o Copenhague, o no sé, Roma, París y las canciones al final necesitan buscar un espacio y a veces son ciudades o viajes o habitaciones y cada una tiene un lugar y viceversa. Cada lugar ocupa su propia banda sonora. 

Los lugares cambian bastante. Así sean un mismo sitio son distintos lugares. Al saber que venía a hablar con ustedes, me interesaba conocerlos no solo como Vetusta sino también como los integrantes de Vetusta. Pienso que Vetusta es una banda que se integra muy bien, los seis se complementan tanto en lo creativo como en lo sonoro y esto lo sentí cuando los pude ver el año pasado ¿cómo ha sido su proceso musical desde lo personal? ¿Qué escuchaban cuando eran jóvenes y cómo eso fue mutando en lo que ahora es Vetusta?

David: Mi relación con la música parte de mi relación con mi familia y con mi casa en donde se escuchaba todo tipo de música. Desde música clásica hasta flamenco pasando por el pop, el rock, los Beatles, la música de los sesenta y setenta. Yo empecé a engancharme con la música a finales de los ochenta con bandas clásicas del rock y luego ya con el grunge. Por esa época también comencé a tocar música. Comencé con la percusión latina y la percusión flamenca, luego quise acercarme a la música latina, a la música negra como el funk y el soul, y desde entonces todo ese espectro de música ha sido el que me ha ido influenciando.

Guillermo: Cuando era pequeño en mi casa se escuchaba mucha música también, quizá no tanta variedad como en el caso de David, pero sí rock y pop de los años sesenta a los años ochenta. Yo recuerdo que empecé a tocar la guitarra relativamente tarde. Tenía catorce o quince años y mi primera experiencia musical fue con Vetusta, iniciamos muy jóvenes cuando estábamos todavía en el instituto. Lo bueno y lo difícil de ser tantos era que teníamos que encontrar un estilo común porque al final no solo haces la música que quieres hacer sino que puedes hacer. El estilo al final es un acuerdo mínimo donde todos se sienten identificados y a partir de ahí ya tiras ¿no?

Comenzamos siendo una banda bastante ecléctica. Teníamos instrumentos muy distintos, no teníamos batería, había una mezcla rara para ser una banda de rock que no éramos en su momento, pero que acabamos siendo. Como individualmente no habíamos sido nada, fue más fácil unir lo común que era mucho más fuerte de lo que podíamos ser individualmente. Una vez que ya hemos tenido un estilo ha sido cuestión de profundizarlo y de destruirlo cada cierto tiempo también.

Jorge: En mi casa también se escuchaba música, aunque no tanta. Mi primer acercamiento fue directamente con ellos porque éramos colegas y quedábamos para tocar como una cosa divertida. Poco a poco se fue desarrollando, y a la vez se fue “complicando”. Ya en unos años estuvimos en una furgoneta fuera de Madrid para hacer conciertos y para pasártelo bien, y de repente surge una necesidad de un disco. Esa necesidad surge cuando realmente sentimos que estábamos en un sitio en el que queríamos estar y que queríamos comunicar cosas. También ha sido importante saber que tenemos gustos musicales muy diferentes y eso ha hecho que al final termináramos compartiendo música que aún nos recomendamos unos a otros. Perfectamente escuchamos una canción y sabemos a quién de los seis también le va a gustar esa canción. Al final es un conocimiento de unos y de otros, que te lleva a generar ciertas fuerzas a la hora de ya hacer canciones.

Volviendo al proceso que los llevó a tener la consolidación de un estilo musical ¿qué creen que está más marcado? ¿Lo musical o lo lírico? ¿En dónde está la fuerza de Vetusta?

David: Yo creo que es una mezcla de las dos cosas. Siempre nos hemos preocupado porque cada una de las partes de la propuesta esté trabajada y haya consistencia. La parte lírica es muy rica y muy importante porque es con lo que mucha gente se identifica, pero creo que la parte musical está también muy elaborada, con todos los estilos musicales que hemos aprendido. También a raíz de que nos guste mucho investigar, hace que vayamos proponiendo y enriqueciendo la propuesta. Aunque al final termine siendo “pop” porque es sencilla, sí que está muy elaborada y sí que hay tanto armónicamente, como musicalmente una riqueza importante. 

Las líricas ha sido lo que siempre me ha llamado más la atención. Mi acercamiento musical ha sido siempre desde las líricas. Cuando los conocí sentí una conexión porque me vi inmerso en un ambiente literario al oírlos. Tenían unas imágenes muy bellas. Desde Mapas, hasta en Los días raros, las imágenes han existido con mucha fuerza ¿Por qué proponer desde la creación de las líricas?

Guillermo: Quizás si hubiéramos sido desde el inicio unos instrumentistas geniales, hubiéramos basado nuestra fuerza en los solos de guitarra o en los solos de batería  en la manera de contar. Pero de nuestra “debilidad” han surgido grandes capacidades para imaginar canciones. Siempre supimos que nuestra potencia estaba a la hora de hacer canciones. Hacer canciones suponía hacer bien la música, el ritmo, los arreglos y la letra. Además yo creo que generacionalmente veníamos de un mundo donde la música en España tenía una brecha grande entre la música independiente y la música mainstream. Dentro de la música independiente había gente que le daba mucha más importancia a los textos pero a lo mejor descuidaban más la producción y al revés. Había gente musicalmente interesante pero que no le daban ninguna importancia a los textos o cantaban en ingles porque estaba de moda. En este sentido, yo creo que nosotros cuando comenzamos a  componer de una manera más deliberada vimos que había posibilidad de hacerlo todo, o por lo menos aspirar a hacer buenas canciones, ser buenos intérpretes y además tener textos que permitieran a la gente proyectarse llevando las canciones a algo más. 

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Especial: Un mundo femenino: !Las mujeres también hacemos literatura!

Por: Tatiana Guacaneme

En mi construcción como mujer pocas cosas han tenido tanto impacto como ha sido la literatura. Yo, como muchas otras personas, encontré en la lectura un refugio ante las penas que agobian el corazón que, mientras más avanzaba el tiempo, más duras se me hacían, menos entendía la vida, menos me entendía a mi. Así que cuando decidí estudiar literatura, también lo hice un poco para intentar descifrarme. Más allá de ver un reflejo de una sociedad plagada de violencia o de entender cómo estilísticamente se analiza un poema, pude encontrar entre una pila de libros una parte de mi que me ha ayudado a entender qué es lo que quiero y qué es lo que soy.

Hoy en día cuando pienso cómo fue que se encendió ese deseo de estudiar, principalmente, a las mujeres en la literatura, lo que más viene a mi cabeza es esa famosa frase que alguna vez hasta yo pronuncie “no he leído mujeres porque la verdad es que no hay tantas escritoras”. Pienso que mientras uno más escucha esto, más se lo cree. Pero si era así, entonces ¿qué estábamos haciendo en ese lugar mis compañeras, amigas, profesoras y yo? Me di cuenta que era atrevido de mi parte afirmar que no había tantas escritoras, asegurar que el mundo de la escritura solo le pertenecía a los hombres era insultante, no sólo hacía mí y hacía las mujeres que me rodeaban, sino en general para toda la lucha que han cargado las artistas en todos los ámbitos, para hacerse un lugar en el que pareciera que no fueran bienvenidas.

Recuerdo especialmente ese día en el que el profesor llevó El Árbol de María Luisa Bombal. Yo estaba entusada, había estado saliendo con un mal tipo, de esos que enamoran y luego rompen el corazón. Me sentía como una tonta, mi conflicto, ni siquiera, radicaba en él, sino en algo muy en el fondo conmigo misma.  Bombal llegó en el momento indicado, cuando yo más la necesitaba. Me puso un espejo frente todos mis temores, todas mis heridas quedaron expuestas, esa mujer era yo: Brígida tan temerosa de ser ella misma, escondida en un cuarto segura, y deseando más que nada queriendo ser libre, deseando poder ver el mundo más allá de la ventana.

“Eres un collar, eres como un collar de pájaros”

Sin que yo lo hubiera planeado, me enamoré definitivamente de esa autora y con ella llegaron muchas otras más: Clarice Lispector, Helena Araujo, Cristina Peri Rossi, Alfonsina Storni, Elena Poniatowska, Fanny Buitrago, Elena Garro. Mujeres que me llenaron de fuerza, que me dieron la libertad para decir y pensar, para ser fiel a mí misma.

Ese mundo femenino, como lo plantea Marvel Moreno, ese lugar que se hereda de mujer a mujer, es el que me ha permitido construir mis ideas, lo que yo quiero para mí y mi comportamiento con los demás. Encontrar narradoras como Marvel, que fueran capaces de hacerle frente a esos ideales que siguen tan presentes aún hoy en la sociedad, simplemente me inspiró. Hace cincuenta años, las personas se escandalizaban porque una mujer escribiera sobre una secretaria que soñaba con que su jefe se la follara o porque evidenció una cultura donde una abuela cegada por la religión, le castraba la libertad a su nieta. Hoy después de años de lucha, resulta frustrante que ante las palabras "derechos de las mujeres", las personas volteen la cara, hagan un gesto y nos llamen feminazis. Aún peor, que ante la mínima señal de empoderamiento femenino, las personas se asusten y bloqueen el contenido.

“cualquier otra distinta de Tomasa habría aprovechado a fondo su condición de señorita de compañía en una familia de mujeres que sabían por dónde le entra el agua al coco, descendientes de una abuela capaz de instalar sus lares en esta tierra de olvido porque la inquisición había llegado a Cartagena y se creía en el de deber de seguir el ejemplo de aquella santa de corral que había a su turno abandonado herencia y parientes para escapar, en un mundo nuevo, a una sociedad que la quería inmaculada o puta, pero irremediablemente idiota, según el testamento que marcaría la pauta a más de cinco generaciones.” (Ciruelas para Tomasa, Marvel Moreno)

Contrario a lo que muchos podrían creer yo no pienso que hay que leer mujeres solamente por ser mujeres. La literatura no tiene género ni sexo, esa mal llamada literatura femenina, que se le atribuye a la escritura de mujeres, no es más que otra forma de minimizar el trabajo y el esfuerzo de las autoras, que al final es el mismo que el de los autores. La literatura es literatura, pero no está mal escribir a través de la perspectiva de las mujeres. Yo no puedo decir que veo las situaciones y la vida en general, de la misma manera a como la ven otras personas. Hay procesos y luchas que llevan años, la historia misma nos demuestra que todos no somos lo mismo. Entonces por qué no escribir desde mi posición y desde la posición de las mujeres que me inspiran a diario, de mi amiga la que lucha por sus derechos, de mi hermana decidiendo cuándo y bajo qué condiciones quería tener un hijo, de mi mamá, la que logró con amor formarme como una mujer de ideales.

Yo creo que es momento de visibilizar las narradoras, poetas, dramaturgas y ensayistas, que tienen un gran talento y que le han metido determinación a la consolidación de la literatura en toda la historia de la humanidad. Las mujeres no empezamos a escribir hace cincuenta años, como dijo mi profesor. Estuvimos y estamos aquí metiendo el codo a este proceso que es más grande que el prejuicio de unos pocos. Siento que lo maravilloso que me han brindado a mí las escritoras es las ganas de expresarme, de darme y darle voz a todas las mujeres, a través de un personaje que no soy yo y no es mi amiga o mi hermana, sino que al final somos todas.

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Ha$lopablito - Es El Puto Sueño

Realizado por: @gothnorrea

Un joven bogotano, estudiante de artes de la Pontificia Javeriana, se aburre en Canadá y escribe unos versos sobre su anhelo de tener un Mercedes Benz de los años noventa. Así es como Pablo Jaramillo encarna a Ha$lopablito inspirado por Akapellah y su exposición de los problemas en la cotidianidad venezolana en tiempos de dictadura, sin saber que se convertiría en lo que muchos hoy llaman un “artista revelación” de la escena musical bogotana, todo por rapear lo que muchos sufrimos y trapear con el gobierno colombiano.

En esta ocasión nos trae su producción más grande hasta el momento, que junto al EP que lanzó en el 2017 parece ser un juego de palabras que el mismo Pablo usó alguna vez: “No Son Drogas, Es el Puto Sueño”. Con la producción del que en ocasiones ha llamado su hermano, Aaron Moreno, este par trabajaron duro para entregar este disco que, aunque en todo me suena igual Pablo diga que su carrera “tiene fecha de caducidad”, se espera que sea el primero de muchos.

Desde que empieza a sonar un sample de Sin Poderte Hablar de Willie Colón se sabe que este álbum será seguramente una agradable sorpresa. Una vez da paso a las primeras barras de Pablo, quien rapea casi bailando sobre el beat, no se reprime, no se guarda nada: con unas rimas firmes y “referencias constructivas” a reconocidos personajes colombianos como Lucho Herrera y Jairo Varela, introduce al oyente la imagen de un muchacho sencillo comiendo empanada con salsa tártara mientras engrasa una consola componiendo temas. La producción de Tráptara y de la gran mayoría del disco es muy sobresaliente, al punto de que muchos se sorprenden de lo bien que salió, se nota la mejoría desde No Son Drogas; y es que claro, producir desde un baño es más bien complicado.

Como ya es bien sabido, Pablo prefiere escribir sobre Transmilenio, cigarros, vino barato, empanadas y echarle madrazos a la derecha colombiana antes que hacer trap que sea únicamente “hablar de putas, de pistolas y de drogas y de culear y de plata”, y deja muy claro esta nueva concepción que usa para el trap en casi todas sus canciones, pero en este álbum se destaca particularmente en trabajos como Trappin’ en el D1 y Narcofake, una crítica fuerte a la narcocultura como una moda actualmente. La primera hace hincapié especialmente en la gente que vive de apariencias: “no he flexeado lo que no he comprado”. También se ha caracterizado por incorporar como herramienta lírica anglicismos, de manera moderada, sin generar rimas que parecen forzadas,funcionan. Se nota cómo ha$slopablito va creciendo como artista ahora que las cosas se pusieron más serias. A medida que se ha ido relacionando con otros artistas de la escena nacional, sobretodo de Antioquia (recordemos que fue a tocar a Medellín recientemente), deja reflejar ese intercambio cultural incorporando palabras propias del dialecto paisa, para dar como resultado una mezcla lingüística suave pero rica, que sigue siendo aún muy cercana a quienes lo escuchan. 

Ahora bien, Narcofake está en un ambiente algo diferente. Abriendo con una muchacha paisa hablando sobre lo que parece ser la estereotipificación de las mujeres, Tsh Sudaca se hace sentir en esta colaboración, lastimosamente, con rimas muy cojas, que en ocasiones incluso se repiten sin disimulo, en contraste con las rimas de Pablo que demuestran firmeza y buen uso del lenguaje para contribuir al tema con sutiles juegos de palabras que enriquecen la imagen de la canción. La crítica abierta a una glorificación cultural – referenciando al cartel de drogas de Medellín – y todo lo que ella modifica en comportamientos sociales contemporáneos se presenta como un pilar firme de apoyo para las imágenes que se desarrollan a lo largo de la canción. Cuenta con unos samples muy buenos y el coro es refrescante (“música fresca”), relajado y pegajoso, lo que fácilmente la hace memorable, al igual que Tráptara.

Este álbum incluye por supuesto dos sencillos que se lanzaron hace tiempo, entre ellos Tm Everywhere, que más allá de ser sólo una queja abierta al sistema de transporte público bogotano, es moldeada alrededor de la imagen de ir en el Transmilenio con la novia de alguien más que aparentemente siente atracción por uno; así, los problemas de transporte que le aquejan son menguados por la buena compañía. 

Dentro de la humildad y algo de conformismo por la situación, porque “toca”, los sablazos no parecen perder fuerza ni mucho menos, y todo esto se logra con el relato de situaciones con las que es muy fácil identificarse, a través de versos generalmente bien logrados. El segundo sencillo incluído, Áspero, ya era bien conocido por el público, y es sencillamente una oda al importaculismo, elemento frecuente a lo largo del álbum. También, es una invitación a quien lo oye a adoptar esa posición y disfrutar el momento con los demás. Es con esta canción en la que se empieza a vislumbrar el potencial que Aaron y Pablo tienen juntos a nivel de producción musical. Dentro del álbum está bastante bien ubicado: después de toi loko (trap básico #1), una canción básicamente dedicada enteramente a los “haters” a pesar de que venda la imagen de que no importan, y antes de gusto culposo, que dedica sus versos a explicar cómo muchos de los que critican nada constructivamente el trap y/o se niegan a él (o incluso, esta nueva rama de él), casi que a escondidas lo disfrutan. El llamado “trap básico #1” termina siéndolo, el beat en realidad no es elaborado (a nivel de producción bien pudo ser parte de No Son Drogas o un sencillo) e incluso tiene el mismo ritmo de granizo, por dar un ejemplo, los versos no son nada complicado tampoco. Son rescatables las referencias al Profesor Súper O y el sample de la Cevichica, pero por lo demás siento que el álbum no necesitaba esta canción más allá de ser compañía de las otras dos canciones mencionadas anteriormente. 

Gusto Culposo por otro lado es un acierto conjunto, la manera ideal de cerrar el álbum. Una canción pegajosa que se aleja un poco del beat de trap para convertirse en algo más bailable incluso, que busca a fin de cuentas el disfrute de la música sin complejos, dejándose ver entre los coros al fondo como de quien está simplemente cantando en un toque, y todos los elementos melódicos se unifican para prestarse a este fin.

Hablando ahora de las otras colaboraciones, empecemos con la mejor lograda: Los Peches Remix, con Rap Gang Club, no es una sorpresa. A pesar de que sea un poco disonante que canten todos juntos el coro, los demás elementos de este remix opacarían cualquier error. Pretendiendo difuminar barreras sociales a través de la música, se le dio un giro algo pronunciado al concepto que manejaba la canción originalmente desde el momento en que deciden decir “súbele un poco a la música” en vez de “bájale”, mandando después a la mierda a la fuerza policial, agregando un toque anárquico al asunto; a pesar de todo y evidentemente, se mantienen muchos de los versos originales porque son, por supuesto, el pilar estructural de la canción, pero una vez Rap Gang Club entra en la ecuación con unas barras excelentes, pasa de ser ligeramente conformista a ser más importaculista que otra cosa. 

En el otro lado de la moneda tenemos todo me suena igual con CERO39, que resulta ser una canción… algo curiosa. Es evidente que es la más alejada a lo que podemos concebir como Trap, puesto que CERO39 es reconocido por sus beats llevados por el lado de la tropicalia y la rumba en torno a la tradición. Aun así, dando un toque diferente al algoritmo del disco para mi, no es una canción bien consolidada, está llena de rimas que no son convincentes y están desordenadas, como si  hubiese hecho una lista de forma rápida sobre lo que genera inconformidad y las hubiera puesto sin mucho cuidado en una canción.

Sin embargo, de alguna manera se rescata que Pablo aquí deja entrever un miedo a dejar de ser relevante musicalmente, algo que no está presente en sus otros trabajos, puesto que está enmascarado detrás de una actitud en la que aparentemente todo da igual. Este es un aspecto más personal y humano del artista. Pero, a decir verdad, no se ve claramente lo que quería lograr con esta canción.

La última de esta serie de colaboraciones es la que se hizo con el mismo productor del disco, pero esta vez como artista aparte, con La Guapa Remix, que originalmente es un trabajo de Aaron en solitario. Aquí, Pablo entra a esta especie de dream-pop en medio de las imágenes ya compuestas. Suavemente, pero con seguridad, sin perturbar las figuras de la canción, sencillas por naturaleza pero muy dicientes, siendo sus versos un complemento que se acopla muy bien; me atrevería a decir que quien no haya escuchado la canción original bien podría decir que es esta la primera versión. 

Los seguidores de los Changuaboyz dirían que interludio es lo que se podría llamar “changuaracha”, porque es eso, guaracha con el sello de la ya conocida, onda changua y más nada. Producida con más esmero y con un poquitico menos de electrónica para que sea más digerible sin perderle el gustico. Es como el descanso para farrear por un minuto y si uno cierra los ojos puede ver luces strober de discoteca y percibir un tufo a guaro suave. De Merchopercho, su debut, ya se ha dicho lo que se ha tenido que decir. Granizo comparte quizá un poquito la idea de Bruce y Margaret de Nicolás y Los Fumadores, sencillamente por el tono de queja hacia una muchacha, aunque algo más agresiva. La caída de la lluvia y los terrones de hielo se mezclan bien con el beat para luego dejar ver que, a todas luces el granizo, o más bien, los cambios de clima bruscos comparados con los cambios de parecer de la chica, son usados como metáfora para una relación problemática, pero a su vez sirve como ilustración del clima de la capital. A lo largo de su corta carrera Pablo ha hecho uso de Ad libs o contrapuntos propios del rap y el hip-hop contemporáneo, recordando por ejemplo a Travis Scott, pero lastimosamente no tan bien logrados. En esta canción hace uso del "yas", que creería yo es el único que realmente parece dominar sin mucha dificultad.  Parece que hiciera una referencia a Mil Horas de Los Abuelos de la Nada al decir “yo mojándome en tu lluvia más de una noche”, pero a su vez hace referencias explícitas más locales como a Manuel Turizo, La Etnia y Bad Bunny. Es también un tema, como se dice coloquialmente, valeverguista, pero difiere un poco con el ambiente siempre crítico de su música en general, lo cual se le reconoce, porque a pesar de que ese sería su aporte innovador al género, que se vuelva monotemático tampoco es la idea. Tiene buenas rimas y el coro es pegajoso, próximamente se verá coreado. 

Por último tengo Colombia país de mierda y es así porque tiene un poco de todas las críticas que hasta el momento ha hecho este señor, porque claro, todas se basan en cositas de este hermoso maizal. Junto con ledoy y nos llevó el p*tas, son sus temas de tinte más político, pero en este caso se mete más también por el lado de las repercusiones sociales. Quiere cojear a veces en rima y ritmo en el verso y hay una que otra redundancia lírica, pero es una canción fuerte y enérgica y abarca muchos puntos problemáticos a nivel nacional y la influencia de otras problemáticas de países vecinos, e incluso sus consecuencias en el comportamiento cultural, y tiene un puente chévere. En general un buen tema pero no el mejor del álbum.

En pocas palabras, ha$lopablito está logrando poquito a poco lo que desde un principio se propuso pero reconoció con seguridad un poco después, y es hacer un aporte diferente al género del trap en Colombia. Para ser éste su primer trabajo discográfico extendido, es un logro, con sus flaquezas incluidas, porque se está empezando a ver su evolución como artista y compositor, a pesar de que todo ha sido un proceso más bien acelerado y repentino. es el puto sueño es una pequeña muestra de lo que Pablo Jaramillo y Aaron Moreno son capaces de hacer juntos: este álbum es el primogénito de este matrimonio de hermanos, y es bonito, parchado e irreverente. Seguramente el público seguirá a la expectativa de más producciones de parte de este par, porque no hay duda de que son capaces de hacer cosas más grandes que esta. 

Esperamos los Changuaboyz nos mantengan informados al respecto de cualquier novedad y que como nuevos artistas en lo que llamaríamos “la escena”, sigan trabajando siempre en busca de la auto-superación con beats cada vez más ásperos y versos todavía más aletas, sin perder su esencia y sin olvidar de dónde vienen: “Bogotown coolin parce yeah that's where i stay”.

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Escuchando a Perú

Se termina octubre, tan solo dos meses nos separan de un nuevo año. Y, como ya saben, en esta ocasión al igual que (casi) todos los meses traemos una nueva edición de Planeta Sonoro, donde dedicamos un espacio a la música que nos gusta así no entendamos, de esta manera, dibujaremos de a poco un mapa que nos permitirá viajar con solo darle click al play. Bienvenidos.

Hoy volveremos a latinoamérica en compañía de @vas_y_vienes desde Perú, a quien conocí gracias a las redes sociales y a quien pueden leer el el blog El Amarillo !Viva la tecnología porque nos permite compartir música con personas de cualquier parte del mundo! Gracias a él por su participación.

Pueden seguir nuestras playlists de Spotify y Youtube donde encontraran compiladas todas las agrupaciones :)

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@vas_y_vienes escucha: 

1. LOS YORKS (CON MELCOCHITA) – EL LOCO

¿Han escuchado esa teoría sobre que el punk lo inventaron Los Saicos en Perú? Prefiero verlo como una anécdota antes que una realidad ,debido a que hay un contexto ajeno al origen del género. Igual, esto no quita que bandas que han tenido momentos de gloria como los Black Lips han nombrado a Los Saicos como uno de sus referentes musicales, pero a veces, con algo de ligereza, imagino que también pudieron mencionar al cómico Melcochita (Pablo Villanueva) cuando “colaboró” con Los Yorks a finales de los años 60.

Esta es una anécdota dentro del rock peruano, cuando Los Yorks hicieron un cambio de disquera en medio de su mayor auge, de MAG a El Virrey, los primeros intentaron seguir capitalizando con la popularidad de la banda al lanzar abruptamente un nuevo vinilo. Lo único que hicieron fue agregar vocales a pistas instrumentales que la banda dejó como descartes. El elegido para ser la voz de este disco apócrifo fue el ya mencionado Melcochita, quien no duda en darle un carácter salvaje a su breve e ilegal participación en la historia de la banda. De este modo nacen temas con nombres algo simples pero llamativos como “El Loco”, “El Preso” o “El Psicodélico”, todos ellos cargados de un espíritu desconcertante. Alaridos y disfuerzos líricos dan pie a momentos salvajes que van contra la norma en el pop y rock de la época.

Actualmente el legado de Los Yorks es innegable, y mucho más el de Melcochita, quien como sonero o comediante ha logrado un lugar importante en la cultura popular peruana. Sobre su etapa de rockero ya no se habla mucho, dependiendo cómo se le mire puede ser un mal o buen chiste, eso queda en cada uno. Como ya dije, de haber decidido pulir sus habilidades quizás hasta inventaba el punk.

2. CHACALÓN Y LA NUEVA CREMA – LA PAZ Y LA DICHA

Quien alguna vez ha oído alguna canción de Chacalón (nacido Lorenzo Palacios) seguramente conoce la frase “Cuando Chacalón canta, los cerros bajan”, un claro ejemplo de la popularidad del cantante en relación a los sectores marginados de una Lima en constante crecimiento demográfico. Hablamos de los años 80, la capital peruana crece debido a las migraciones propias de un poder gubernamental siempre centralizado. La Lima urbana creció hacia los cerros, donde a lo que esto pequeño resumen le compete, la mezcla de realidades generó una fusión entre la cumbia y huayno, dando por resultado un nuevo estilo de cumbia costeña.

¡La nueva Lima tenía su propio género musical!

La tristeza y vivencias del migrante marginado encontraron su voz en la música de Chacalón y otros exponentes de esta nueva música.  La Paz y la Dicha es uno de los mejores temas introductorios para quien busca conocer más del denominado “chinito de los andes”. Ello al sintetizar bien algunos de los componentes más característicos del género: de los ritmos bailables a la lírica de noble emprendimiento, pasando por la protagónica presencia de la guitarra eléctrica.  La canción toma por momentos cierta reminiscencias a enseñanzas propias de un texto bíblico, sobre todo en los coros, y, seguro sin ser coincidencia, como si se tratara de una figura que conoce los límites invisibles de su legado Chacalón dice “El día que yo me muera al escuchar esta linda melodía tus ojos, tus ojos, se llenaran de lágrimas, tu corazón se estremecerá, te lo dice Chacalón y la Nueva Crema”. Vaya que tuvo razón.

3. ADA Y LA NUEVA PASIÓN – LLORANDO TU PARTIDA

Saltando algunos hitos de la música popular peruana, llegamos al fin de los años 90, donde se generó el boom de la denominada tecnocumbia. El mismo nombre se utilizó en otras partes del continente, pero la tecnocumbia peruana terminó siendo una versión modernizada de la cumbia local, agregándole teclados y sintetizadores a la ya mencionada fusión entre ritmos tropicales y andinos. Pese a ello la principal característica que me gusta atribuirle es la exposición mediática que alcanzó, llegando a los horarios estelares de la televisión y cada casa que tenga una fiesta un sábado por la noche. Vale decir que las clases dominantes la disfrutaban con cierto exotismo u otorgándole categoría de placer culposo, pero no se puede negar su relevancia, siendo el género musical que definió el cambio de milenio.

El gran hit de Ada y la Nueva Pasión fue la adictiva "Te Arrepentirás" pero solo quiero hacer referencia a ella como contraparte a "Llorando Tu Partida" pues es esta la que encierra perfectamente uno de mis tópicos favoritos en la música moderna: el llorar en la pista de baile. Mientras "Te Arrepentirás" simboliza el empoderamiento propia de quien menos sufre tras una ruptura amorosa “Llorando Tu Partida”, como su nombre indica, simboliza los instantes más dolidos. Basta unos pocos segundos de la introducción instrumental para saber lo que se viene, una catarsis emocional o algo más de tres minutos donde el despecho se encuentra validado, la vulnerabilidad no resta sensualidad y la composición evoca cierta emotividad, tópicos presentes en cada género musical que ha tenido cierta popularidad en las últimas décadas. El que no lo crea que recuerde a sus amigos indie llorando en la disco cuando escuchan temas como Dancing On My Own de Robyn. No nos hagamos los locos.

4. TURBOPÓTAMOS – ELISABEL

El primer disco de los Turbopótamos debe ser uno de los acontecimientos más relevantes dentro de la todavía prematura historia del rock peruano del siglo XXI. Como quien sabe que lo que posee es especial el cuarteto nombró a lo suyo como “skabilly”, mezcla de ska y rockabilly —oh, obviedad—, siendo esta la parte superficial que da paso a canciones llenas de energía, soltura y creatividad atípicas a su época.  Luego de unos años llegaría No Love, segunda producción de estudio de la banda, donde, como toda banda comprometida con su crecimiento, buscarían domar su sonido y a la par ampliar influencias. 

Elisabel, a gusto personal, es de las canciones que mejor logran el cometido de llevar el sonido de los Turbopótamos a un terreno distinto pero pese a ello no necesariamente a uno que suene moderno. Basándose rítmicamente en la versión que los Rolling Stones hicieron de Susie Q, la banda entrega una apropiación de la clásica canción de amor no correspondido existente desde épocas inmemoriables. De haber querido sonar a rock o pop clásico esto es lo más cercano que los Turbopótamos pudieron ofrecer y aún con ello el resultado siguió estando un paso adelante a muchas de las bandas contemporáneas suyas en el 2007.

Ahora, luego del paso de por lo menos un par de eternidades, la banda ha lanzado un nuevo tema, la inmediata Terremoto, especie de reggaetón rock el cual ha desencajado a más de uno de sus fanáticos más conservadores. Conociendo la versatilidad de Turbopótamos es difícil definir qué significa esto para el futuro de la banda, puede que una vez más están adelantados a sus contemporáneos y muchos ni enterados.

5. LA LÁ – LA FELICIDAD

Considero “Zamba Puta” un suceso en aquel pequeño círculo que termina siendo la escena musical peruana. Sin ataduras a los géneros populares entre los artistas alternativos La Lá no solo logró lanzar una producción que consolide su carrera, a la par, es una honesta confesión sobre los altibajos de ser mujer: va sobre el vivir en una sociedad machista a su rol como madre e hija. Cada confesión o relato que La Lá canta se apoya de una lírica limpia ajena a sarcasmos e inteligente en sus momentos de humor, la base rítmica que la acompaña a lo largo de las nueve canciones abarca ritmos peruanos, del resto de Latinoamérica y jazz. 

Centrándonos en La Felicidad, mi canción favorita en la carrera de La Lá, encontraremos una energía ligeramente distinta. El apartado compositivo es un vals que crece a paso galopante de cajón peruano e instrumentos de viento, mientras la parte lírica es un emotivo reconocimiento póstumo a su madre. Muchos de los versos más bellos de La Lá los puedo encontrar aquí desde los primeros segundos (mi ejemplo favorito se da en el inicio con aquel “Tú, suceso en la ceniza/  tú me enseñaste la vida/ a partir un monte de cosas/ para alcanzar mi alegría”) siendo cantados con una carga sentimental pocas veces igualada en el resto de la canción. La perfecta manera de cerrar un disco y ciclo. 

6. FABRICIO ROBLES – MIRAFLORES

En los últimos años Perú, o Lima si le echamos la culpa a la centralización, ha visto surgir una generación de jóvenes músicos distinta a las anteriores. Caracterizados por estar en mayor contacto con sus sentimientos en vez de dejarse llevar por emociones, esta generación crea obras de notable carácter empático y delicada composición. Bajo esta premisa, pero con estilos algo distintos entre sí, hallamos las obras de Octavia de Cádiz, El Cuarto de Juegos o la Negra Valencia por poner unos ejemplos.

Miraflores, de Fabricio Robles, es uno de mis ejemplos favoritos al hablar de esto. En su balada folk de aires épicos, el joven compositor nos transporta a una fiesta sin alma en el distrito de Miraflores, conocido en la capital peruana por su privilegio y vida nocturna. Se hace notoria la meticulosidad académica en la composición de esta canción, pasando de la completa desnudez a una majestuosa sección de instrumentos de cuerdas y vientos cerca al final. Quien escuche su más reciente trabajo, Dónde, encontrará varios géneros de música latinoamericana estudiados bajo formato folk pop, pasando por vals criollos, marinera norteña y ritmos afro-brasileros.

7. RENATA FLORES (CON KAYFEX) – TIJERAS

En un país poseedor de una cultura milenaria no debería convertirse en una sorpresa poder encontrar proyectos como el que lleva a cabo Renata Flores, o por lo mínimo no tendría que ser un caso exótico el escuchar rimas en quechua entre cientos de canciones en español. Pero lo es. 

Este año la joven cantante de 17 años ha ayudado a cortar estas brechas gracias a su single Tijeras, donde no solo logra una perfecta unión entre ritmos de moda y letras en lengua autóctona, sino también se encarga de acercar géneros tales como el trap y RnB a terrenos ajenos como podría ser la danza de tijeras (esto gracias a la producción del DJ Kayfex). Una mezcla de pasado y presente que fluye con naturalidad: honrando la tradición, acercándola a una nueva generación y sin quitarle el ojo al futuro. Si esto no es suficiente para estar interesarse en la propuesta de Renata Flores, nótese que lo suyo no va por ser una postura superficial en la música y culturas autóctonas, quien lea la traducción o notas de prensa tras sus singles encontrará una fuerte postura feminista en relación a temas de violencia y machismo. 

En una sociedad repleta de artistas consolidados intentando alejarse del comentario político o social para evitar ser rostro en un debate necesario es grato ver músicos jóvenes comprometidos a ideales. Claro, aparte de también buscar hacer surgir propuestas que, en teoría, podrían ser impopulares en nuestra cultura contemporánea. 

8. SANTA MADERO – PERO FRÁGIL

Hoy en día Santa Madero quizás sea el caso más curioso en la escena musical peruana. Hablamos de un sexteto de muy jóvenes músicos (el promedio de edad en la banda es 18 años) que con solo un single han logrado movilizar a la mayor parte de la prensa musical peruana. Pocas veces hemos visto este tipo de acontecimientos por esta parte del Pacífico.

Y no es para poco, Pero Frágil es una canción que merece todas las loas que hasta el momento ha recibido. Seguidores de proyectos como Buscabulla o el RnB de tintes setenteros podrán encontrar algo llamativo en esta canción de espíritu nocturno y personalidad refinada donde se cruzan el dream pop con las percusiones latinas. Si las siguientes canciones de Santa Madero significan una consolidación de estilo no veo problemas para calificarlo como un proyecto peruano de posible gran prestigio en tierras internacionales, claro, en un mediano o largo plazo. Todo a su tiempo, que el talento ya se ha hecho presente.

@SoyMiroslawa escucha:

9. LOS MIRLOS - LA DANZA DE LOS MIRLOS

Me cuesta creer que alguien no haya escuchado nunca esta canción. Por gusto, por error o por herencia, considero que es un tema cumbre en las fiestas familiares y eventos de protocolo en general. La pongo aquí, porque fue mi primer acercamiento personal a Perú. Recuerdo haber sido muy cercana a una familia que gustaba mucho de la cumbia. En una de sus reuniones, a las que asistí, dado un momento concreto de la noche, el grupo contratado para amenizar la reunión dejó caer el característico inicio y cual llamado de la selva, todos, niños, jóvenes y adultos se levantaron a bailar. Una de ellas me dijo "la canción de la familia" y desde ahí siempre los recuerdo.

Con el paso del tiempo, cuando me acerqué de manera mas formal a la música, me fui dando cuenta de quiénes eran Los Mirlos, los charapas de oro y del peso que marcaba su nombre. Nacidos a finales de los años 60, se han consolidado como una agrupación representativa dentro de la cumbia peruana, reconocimiento que les sirvió para difundirse por el resto del mundo con su gran marca. Es el sello de la latinidad frente a los extranjeros, un símbolo representativo de las caras de su país que se vio compartido con agrupaciones como Juaneco y Su Combo, Los Orientales de Paramonga, Los Invasores del Progreso y muchos más. 

10. MARIA T-TA - LA DESBARRANCADA

Maria T-ta nos hace ubicarnos en  los años 80, cuando la escena de rock subterráneo era completamente liderada y conformada por hombres. En este contexto llega Patricia Roncal. quien joven y extrovertida se impuso a las patadas dentro de este movimiento. Digamos que no fue la mejor cantante que salió del Perú, pero no es por esto que es recordada. Su merecido honorario está enfocado a el sarcasmo de sus líricas, con el que criticaba , de manera irónica, todas las problemáticas que acarreaba su posición dentro de su contexto. También fue líder de tres agrupaciones, que tal parece, no duraron mucho. 

Leyendo me encontré con anécdotas donde gente que trabajo con ella afirma que en un inicio la insultaban, le tiraban objetos en incluso en algún momento los bajaron con ladrillos, pero que aun así la marca de este personaje es imborrable, fue una de las pioneras, que abrió paso para que en un futuro mujeres pudieran incursionar en esta agitada generación de machismos artísticos. Es esta mi canción favorita, una burla al intelectualoide, me hace reír mucho. "pero como no soy una chica común no soy una comunista,como me tiro al Marco soy marxista"

11. NOVALIMA - SANTERO
Sí, latinoamérica está permeada de la tradición indígena, sin embargo, todos reconocemos y apropiamos la descendencia africana en nuestra cultura actual. Novalima, con 15 años de trayectoria se ha impuesto como uno de los grupos pioneros en la música electrónica afro-peruana, a los que le siguieron proyectes como Afroloop o Vitu. Con mezclas de Reggae, Dub, Afrobeat, entre otras, han conjurado a los espíritus del Perú negro y han abarcado muchos escenarios alrededor del mundo, donde han conquistado y encajado perfectamente por la cantidad de influencias que corren por su instrumentación. 

Son una agrupación con un bagaje musical enorme que la convierte en un proceso constante de búsqueda y revitalizacion. Con cada gira realizada, vemos a Novalima regresar con ideas frescas y diferentes que hacen sus trabajos únicos entre sí a pesar de todos apuntar aun mismo concepto general

Considero, que en grupos como este  desemboca la herencia de Chabuca Granda. La música negra ahora se baila en todos los rincones del mundo, se pone en la discoteca, se disfruta. 

12. BANANA CHILD - LA CURA

No sé qué tanta fuerza tenga esta banda dentro de su país o su escena, a mi me parecen espectaculares. Mas allá de mi gusto un poco obsesivo con el surf-rock, puedo ser mas objetiva y decir que los Banana Child tienen en realmente una propuesta muy interesante y fresquita, pese a que están enmarcados bajo el lema retro de la música sesentera.

Siento que en este género tiene unos arquetipos tan remarcados que es complicada la innovación. Ya conocemos los sonidos característicos de las guitarras, al igual que la batería pero ¿qué hay mas allá?  Aunque muy de vez en cuando caen en patrones repetitivos, entre los dos álbumes realizados vemos como el concepto se va consolidando y definiendo, apropiándose de su lengua, de su contexto y tomando colores e imágenes que los hacen definirse dentro de muchas otras agrupaciones. Espero que pronto estén pisando tierras colombianas. 

13. KILL AMIGO - RELAJANTES MUSCULARES
Si tuviese que definir a Kill Amigo en una palabra diría adolescencia. Cada que los escucho, me imagino a mi hermano en los diez y pico montando patineta y escribiendo viva el punk en los muñecos de mi hermana cada que ella estaba desprevenida. Si bien, su sonido está enmarcado en ese retrato del punk rock de los 2000, El Filin Ha Muerto esta lleno de situaciones difíciles que no todos tenemos que enfrentar siendo jóvenes. Depresión, desamor, narcóticos y procesos complicados es lo que nos presentó en 2017 el debut de cuatro chicos que según vi, se han consolidado muy bien en la escena peruana. 

Valdo decía con Ada Y La Nueva Pasión que el llorar en la pista de baila se consolidó como temática moderna para la música, pues, acá lloramos en el centro del pogo. 

14. GOMAS - EL VERANO MURIÓ
Así como Kill Amigo es el reflejo de lo adolescente,  escuchar a Gomas es vivir en loop la infancia. Esta banda me dio uno de los videos más lindos del 2016 y desde entonces cada que la escucho solo pienso en el baile de los niños cuando están felices y en lo libres que se sienten cuando corren. Aun así siendo el reflejo de una edad en la que fuimos felices sin darnos cuenta, no generan una melancolía de lo que ya no está, sino mas bien despierta el niño que a veces se nos duerme. Es un pop contagioso y sonriente con el que invitaría a alguien a dar un paseo.   

No podemos agregar que tengan grandes artilugios instrumentales, pero la música buena no siempre es la complicada y llena de arreglos o extravagancias. Esta banda florece en la belleza de la simplicidad. 

Bajo la mano de seis integrantes, se han convertido en un referente al hablar del indie pop actual de este país, compartiendo conceptos similares con agrupaciones como Golden Cameleon o incluso un poco Dan Dan Dero. 

15. MENORES - PISTOLAS

Poco es mi conocimiento del movimiento del trap y del rap en Perú y en general en latinoamérica, debo confesar. Menores para mi es uno de los pocos acercamientos que he tenido a este género en dicho país y aun así, en mi corto panorama, considero que a nivel latinoamérica tienen un concepto muy particular en su proceso creativo. Hace no más de un mes salió a relucir su última entrega el EP Estados Invisibles y puntualmente me parecen muy llamativas las bases sobre las cuales van lanzando sus líricas. El juego con los elementos electrónicos les brinda una atmósfera que no he escuchado en otros proyectos. 

Junto a esto, también las acompaña un trabajo gráfico que consolida la propuesta melódica que le brindan a los oyentes. Es un trabajo contundente, limpio, muy profesional, compuesto por mujeres que han tenido proyectos parecidos. Definitivamente la unión hace la fuerza. 

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