La violencia pareciera no tener límites geográficos, pero así mismo la fuerza tampoco. Esta es la lección que he podido sacar de la última entrega de iLe, un álbum contundente, con mucha más determinación que iLevitable. Inicialmente tenía un poco de miedo de que iLe se estancara en la tendencia pop a la cual se había adecuado su primer trabajo. En lo personal es un álbum que me gusta, sin embargo no logra ocupar toda la gallardía que habita en esta artista, elemento que parece ser protagonista en este segundo disco: Almadura.
Desde la portada y el nombre se puede apreciar la temática centro: una coraza dura como la piedra levantada desde las atrocidades que vuelven vulnerable cualquier persona o pueblo, siendo tomadas desde la propia vivencia de su país natal, pero extendidas hacia los rincones de América Latina y de los diferentes pueblos oprimidos alrededor del mundo. Podría decir que uno de los ejes de este álbum es el territorio como lugar de lucha y es desde ahí donde se desprende toda un discurso de empoderamiento.
Este álbum lo abre Contra Todo, que maneja este concepto del territorio a partir de dos elementos: el pueblo que lo habita y el cuerpo como espacio de lucha individual que se organiza en el colectivo. Estamos escuchando a aquellos quienes ven su voz apagada por la opresión, se habla desde el despojo, del olvido y el silencio perpetrado por quienes colonizan aun, y si bien, las realidades que se construyen en las narraciones son dolorosas, nunca la voz con la cual se narra cada una es revictimizante ni lastimera, por el contrario es un levantamiento de los oprimidos, un ultimátum.
Por el mismo eje del colectivo correspondenSin Masticary Odio. La primera es una denuncia al enajenamiento en el que se sumerge la sociedad constantemente, casi que es un regaño por la sumisión y la segunda, es más bien una propuesta, una idea encima de la mesa para romper con el imaginario perpetuado de la guerra.
Imaginar situaciones similares que pongan en sintonía la situación de su país con el nuestro o con otros no es nada difícil. Uno de los videos lanzados respecto al disco fue el deOdio, que narra el caso del Cerro Maravilla, en el cual fueron cometidos asesinatos por entidades oficiales en 1978, hacía dos jóvenes pro-independentistas, ¿acaso no es esto equiparable con el sistemático asesinato a líderes sociales actualmente o con la evidente corrupción de las entidades en las cuales es “confiada” la seguridad del pueblo? con estos o con muchos más sucesos a lo largo del mundo podemos ver cómo nos igualamos en un pasado —y presente, ojalá no en un futuro— violento y desgarrador.
Por otro lado, hay otro eje girando alrededor de las problemáticas de género también presentes a lo largo de todo el mundo. Temes, es para mi la canción más difícil de este álbum, tanto por la letra como por el video. La primera vez que la escuché y vi de qué trataba solo pude llorar, es cruda, es dolorosa. Además está posada sobre un bolero que vuelve todo mucho más allegado. Aún así, aunque la denuncia sobre el machismo es tan vivida, se muestra a través del argumento de que a través del ejercicio del poder ejercido hacia alguien se evidencia también el miedo a sí mismo.
InvencibleyCurandera son dos temas menos conflictivos, están más inclinados hacia el empoderamiento y son musicalmente muchos más alegres, ambos representan el cuerpo y el ritual cobijados bajo la fuerza del ejercicio de la existencia.
El álbum se encuentra dividido por un interludio precioso de piano interpretado por Eddie Palmieri, que considero actúa de alguna manera como un catalizador de todas las emociones fuertes que maneja el disco. Sin embargo, siento que después de este se pierde la narrativa. Tu Rumba y De Luna si bien son canciones que me gustan, parecen un poco salidas del centro, considero que no hay una gran congruencia y que quizás si no hubieran estado el disco igual y tendría la misma fuerza, quizás al igual que el interludio se usen como catalizador emocional.
Ñe Ñe Ñé es una clara crítica al capitalismo y Desde Aquí pudo ser para mi la canción que debía cerrar este trabajo, es un grito máximo justo antes de dar la lucha por el territorio, por el pueblo y por sí mismo y cierra con una fuerza asumida por los tambores, esta canción muestra el arma de iLe, su propia voz.
En tiempos difíciles la unión,como siempre, hace la fuerza y este trabajo es una invitación contundente, un poco regañona pero eficaz de tender la mano para entre todos no hacer murallas sino puentes.
A veces quisiera saber en qué piensan personajes como Eblis o Pedro para proceder ante sus nuevas creaciones, pues muchas de ellas parecen en algún punto completamente descabelladas. Supongo que ese es el encanto de los monstruos y mutaciones que se dan en sus cabezas musicales; que pasan de ser imposibles a ser plasmados hasta que todo el mundo esté bailando y disfrutando con ellos. Chúpame el Dedo es una de mis monstruosidades favoritas. La burla, el metal y muchos ritmos tropicales, confluyen para traer lo que para mi ya es un álbum top 2019.
Si hubiera sido yo la persona de hace cinco años que cantaba en una iglesia, este álbum me hubiera parecido una blasfemia. Gracias a dios ya no creo y es ahora esta, una de mis blasfemias favoritas.La principal razón por la que este trabajo me parece tan espectacular, es sencilla: ver el empleo de la carnavalización, propuesta por Bajtin, alrededor de su producto y su puesta en escena que se resisten a un canon musical y lo rompen burlándose de él. No Te Metas con Satán es la apología al enemigo cristiano, católico, etc. Es la muestra de Lucifer como un individuo más, y además de eso, como un ser “buena gente” que nos hace pasarla bueno, e incluso que puede llegar también, a través de los placeres mundanos que en el imaginario colectivo él mismo propone, a ser vulnerable.Miremos como las categorías propuestas por el autor se cumplen a lo largo de toda esta propuesta de la escena bogotana.
La primera, son las formas y rituales del espectáculo que se dan a partir de los sucesos desarrollados en plaza pública en la que se cuestionan y se transforman los rituales que tienen peso dentro de la sociedad a la que pertenece determinado individuo. Esta categoría la tomé a partir de dos cosas, una más general que es la muestra en vivo (acá pueden leer sobre aquella experiencia), en la que hacen burla insistiendo en su desarrollo de ritual satánico como puesta en escena. Un ritual que para llegar a los jóvenes —quienes aseguran ellos, tienen un consumos mayor de lo satánico— debe ir al son del dembow, puesto que es la música de la generación. Y la otra, la que se muestra en “Mi Ancestro Berraco”, una canción donde aparentemente nos quieren enseñar aquellos conocimientos ancestrales que nos dejaron los antepasados: perreo, comida chatarra y la celebración a la iniciación de la sexualidad después de los 30.
La segunda hace referencia a las obras cómicas verbales de diferentes índoles, tanto orales como escritas, llevadas hasta el nivel paródico, uno de los puntos fuertes de este dúo dinámico por donde se quiera mirar. Chúpame el Dedo, me atrevería a decir, es en sí mismo una parodia de sus creadores, tanto así, que incluso la interacción de público-artista es con dos personajes que suenan como diablillos, cubiertos de batas de satín de colores brillantes, más no con individuos, Eblis y Pedro son completamente borrados por su propia creación y a través de esta llegan a un segundo nivel: la burla al metal.
Este género, rodeado no sólo de una estética específica que se lleva en un imaginario popular en el cual el color negro, la fuerza en la música, las voces y los sonidos estridentes es controvertido al ser mezclado con no solo ritmos que parecen completamente opuestos sino también con temáticas poco convencionales, como lo es “amo a mi familia”, que parece una canción infantil de la cual Lucifer, hace parte como un miembro más de este vínculo. También es divertido ver el concepto del metalero, a través de la canción que lleva el mismo nombre que insiste diciendo "...yo sí soy buen metalero".
Otro ejemplo de esta categoría lo podemos evidenciar en "Alexandra Candelaria", en la que utilizando la base narrativa de Caperucita Roja, se nos cuenta la historia de una joven que en un falso interés por ir a bailar bullerengue donde su abuela, busca prenderle una enfermedad de transmisión sexual a Satanás, quien bajo sus encantos cae rendido, como cualquier otro mortal. Es un completo rebajamiento a su figura de autoridad como amo de las tinieblas.
La tercera y última categoría nos lleva a las diversas formas y tipos del vocabulario familiar y grosero. Esta también se puede evidenciar a lo largo de todo el disco, el discurso popular usado de principio a fin es una característica esencial de este proyecto, además el toque vulgar que pasa a ser grotesco en algunas canciones parece ser un guiño de picardia esencial. El objetivo pareciera ser el hacer ver a Satán de la forma más creíble posible, tanto que pueda transformar el imaginario de hacerlo ver como un ente negativo, a un parcero con el que se puede tomar una pola y bailar.
Esta categoría también puede llegar a la perversión la concepción del cuerpo y lo banaliza y lo deja ver como algo grotesco. Un ejemplo de esta categoría se puede ver a través de "Peos", una canción en la cual se habla de lo horrible que son los gases del cuerpo o incluso en canciones de su primer álbum como "la negra en bola".
Leida toda esta retahila anterior, les propongo escuchar este disco que para mí tiene una gran propuesta que recoge no solo nuestra cultura popular, sino también rompe esquemas a nivel musical y discursivo, ruptura que personajes como Eblis y Pedro, ya están acostumbrados a hacer.
"No te metas con Satán, Satán es buena gente, él es un bacán".
Cuando pensamos en distribuidoras de música importantes e independientes en latinoamerica y tenemos como referente la música tradicional, podemos claramente tener en el radar a Fértil Discos, de Argentina. Es este quien se ha encargado de llevar a nuestros oídos —o por lo menos a los míos — artistas como El Remolón o Pol Nada. Pero más allá de eso, Fértil Discos ha venido haciendo un trabajo muy ¡muy! importante. En el 2017 sacó el compilatorio La San Llamarada realizado por Pol Nada, el fundamento de este era el reconocimiento de Linares Cardozo, un personaje importante a la hora de hablar de tradición y cultura en aquel país. pueden leer una reseña que hice para aquel compilatorio dando click aquí.
Esta vez, dos años mas tarde, a manos no solo de un artista sino de varios, se han vuelto a poner la 10 para sacar El Camino de Leda, un homenaje a Leda Valladares, quien al igual que Cardozo, fue parte importante del folclor. Poetiza, interprete y escritora la convirtieron, junto a personalidades como Maria Walsh, con quien trabajo varios años, en pilar importante de la cultura no solo argentina, sino latinoamericana.
Su trabajo decolonial logró que pese a que fuera de una familia burguesa, criada en la cuna del pensamiento europeo, lograra cultivar un Tucuman desde lo raizal y replantear el imaginario de argentinidad que se vivía en los noventa con el auge del rock en latinoamerica y más en su país, donde bandas como Soda Stereo dominaban los mercados. El pensamiento fronterizo logró emplear el rescate dado por la tradición hispana en un reconocimiento de la música a la que geográficamente estaba expuesta pero ignoraba.
Desde ahí parte todo un trabajo de investigación, recolección y sistematización de toda una historia no oficial, la historia contada a través de los cantos de sus ancestros. Para refrescar la memoria o conocer a Leda en su estado puro, pueden escuchar Un Grito En El Cielo Vol. 1 y Vol. 2, compilatorios realmente preciosos donde con artistas como Cerati interpretan música salida desde lo mas profundo de la tradición.
Su propuesta re-vitalizadora se extendió hasta después de su muerte y es lo que hoy nos permite tener El Camino de Leda, una reelaboración a la tradición misma, a partir de las nuevas tecnologías en la música. La propuesta de Fertil Discos es " buscar generar desde la nueva música y la tecnología, texturas y sonidos (muchas veces imposibles de lograr con instrumentos) que creen espacios diferentes para recibir esas voces, y también valerse de ritmos y cadencias que no sólo nos devuelven lo ancestral, sino que también lo vinculan a nuestra experiencia diaria en las ciudades modernas".
Escuchar este disco es un viaje por nuevos lugares no explorados en el tiempo de Leda, que se amalgaman perfectamente a la expresión de esta. Si bien, las canciones son más dinámicas y mucho mas arregladas por obvias razones, se mantiene una pureza digna de las montañas de las que vienen estos ritmos. El álbum tiene en su mayoría una organización de un productor y una sola voz. Siento que es un elemento importante, porque si bien, en su totalidad está la recuperación del concepto de canto colectivo, la individualidad de cada canción le da un aire no solo más personal, sino mas solemne. La canción que abre es una baguala, interpretación que originalmente depende de una caja, una quena y una voz, base que se mantiene en esta reinterpretacion. En segundo lugar, tenemos una de mis canciones favoritas de todo el disco: Yo He Sido. La interpretación de la voz es hecha por Shaman Herrera. Escuchar a este hombre es estar envuelto en una textura completamente ajena a la que nos pueden presentar muchas voces regularmente. La profundidad y grosor de su canto nos acoge en medio de un eco engrandecido dedicado a el primer beso, representado en la lírica por muchas cosas vivas, que crecen, que vuelan, como el naranjo florido o la mariposa. Cuando Oiga Sonar la Caja, es una oda a ese gran momento de encuentro entre la tradición y el sujeto. Entre lo que pude leer de las vidalas, son cantos que poseen una melodía melancólica pero aun así dan vida, según la creencia popular. Lo cual me parece curioso, porque sí es evidente que, pese a que se siente un aire mas cadencioso, aun así sigue siendo una canción muy enérgica que gira alrededor de la belleza del canto y del sonido, es a mis oídos un acto de catarsis frente a eventos complicados. De hecho es mucho mas visible el componente de lo melancólico en canciones como Ay, Pajarillo, en el que en medio de los recuerdos, el cantar alegre de un ave logra despertar un dolor en quien lo escucha. Por esta tónica le siguen canciones como En Otro Poder y Sin Darle Motivo, las cuales también muestran un dolor causado por el desamor.
Todas las líricas están soportadas por imágenes muy hermosas de la vida como un proceso, realizando metáforas constantes al rededor de elementos en la naturaleza y sus ciclos. Así mismo termina el álbum, cerrando con Canción de Velorio, es decir con el fin de un ciclo. Pareciera ser que todo el trabajo está soportando también por el recorrido de la vida, a través de las diferentes etapas del amor, desde el nacimiento de una insinuación al querer hasta el final donde todo muere y se desvanece. Así, el camino de Leda tiene un inicio y un fin marcado mas allá de la enumeración de las canciones. Este trabajo no me parece solamente importante por su carga estética, sino también por su peso en la difusión de una cultura que vamos perdiendo poco a poco a manos de nuevas tendencias. Por eso me parece esencial reivindicarlas culturalmente y más si se lograron modificar de manera que ahora son mas accesibles para los oídos de nuevas generaciones, como la nuestra, que no vivió tan expuesta a toda esta música llegada de lo profundo de los paisajes. Los invito así a escuchar, descubrir o re-descubrir a Leda Valladares.
Hace poco pensaba que sería una desgracia para mi generación
que Hozier se convirtiera en uno de
esos artistas one hit-wonder. En el
2013, con la puntería certera de un hombre alado, puso a cuanta emisora existente en más de
tres continentes, a reproducir, una y otra vez, Take Me To Church. El éxito, tanto de la canción como del video, la
posicionó rápidamente como “Una de las
mejores canciones de lo que va del siglo.” Durante el año siguiente publicó
su primer álbum “Hozier” y llegó hasta el 2015 como una de las grandes promesas de la música. A todo el éxito
arrollador lo sucedieron casi 2 años de silencio absoluto por parte del artista…
¿en serio ese álbum que oscilaba entre el rock el pop y el soul era todo lo que
el irlandés tenía para nosotros? Pista: ¡NO! (Thanks God!)
A finales del año pasado Hozier rompió su silencio con un EP
y dos sencillos posteriores que lo volvieron a ubicar en la mira. Nina Cried
Power, la canción que le dio nombre a la publicación es, sin duda, la prueba
de que al músico no le va a quedar difícil superar en calidad a la ya clásica Take me to Chrurch. La canción es un eco
en homenaje a algunos grandes artistas quienes apoyaron el movimiento
por los derechos civiles en su momento. Lo mejor es que si en
sus primeras obras se dejaba ver cierta atracción por el soul, aquí se ha
lanzado y zambullido en esas aguas siempre diáfanas y agitadas en compañía nada
más y nada menos que Mavis Staples: cantante
de gospel y activista política estadounidense.
A pesar del largo tiempo en que no tuvimos noticia en el
mundo de la música sobre Hozier; y de los 79 años de Staples, sus voces llegan
con la fuerza y la translucidez del espato de Islandia. Se acompañan de los
coros envolventes típicos de la profanación de la música sagrada, el
instrumento de percusión universal: las palmas, y unos tímidos, pero certeros
teclados y un bajo que ayudan a sostener la melodiosa voz del irlandés. Y aunque
no todas las nuevas canciones, ni las del próximo álbum según el mismo artista,
tienen ese peso político, la verdad es que sigue siendo una de las mejores
características de las producciones del compositor.
La segunda canción del EP es NFWMB, siglas de Nothing Fucks With My Baby. Una traducción
perfecta del equilibrio entre lo eléctrico y lo acústico; y el ya conocido
juego que el cantante establece entre la música y la poesía. Esta vez su voz,
lejos de la fuerza de la primera pista, pero con la seguridad inefable de la
suavidad, se deja escuchar mientras se pasea entre capas de velos movidos por
el viento silencioso que no busca birlar la voz, sino dilatarla. La canción parece
responder al poema Second Comingde Yeats desde la perspectiva de uno de “los
peores (quienes están) llenos de apasionada intensidad.” El panegírico de un seductor
que busca corromper con el deseo, la única salvación del fin del mundo.
El monstruo que ha sido despertado después “de veinte siglos
del pétreo sueño” va camino hacia Belén para destruir todo rastro de humanidad
y, sin embargo, existe una sola persona capaz de detenerle y hacerle
retractarse; pero claro, Hozier, su voz, es uno de los peores de este mundo y sabe que para dejar que la destrucción
suceda no debe atacar al monstruo sino a su debilidad, por eso le seduce. Una de
esas letras profundamente trabajadas y bien ensambladas que termina por ser el
lado B del poema de Yeats.
Movement, aunque
no hace parte oficial del EP, sí es uno de los sencillos publicados días
después. Y si ya nos ha puesto a oscilar entre la música y la política y la
música y la poesía, esta vez es el turno del
movimiento. Además, como si la experiencia que nos brinda el compositor no
fuera suficiente, el video de la canción tiene como protagonista a Serguéi
Polunin, con una de esas puestas en escena que embelesan y no dejan
parpadear. Más que una coreografía, lo que ha logrado hacer el bailarín
principal más joven del Royal Ballet de
London, es mostrarnos la lucha interna del crecimiento, del avance, mientras la
voz lo invita a nunca parar.
Para esta pista vuelven los coros, como ondas generadas en
la superficie del agua por la voz principal: potente, fuerte y diestra. Y el
acompañamiento de unos teclados que recuerdan al órgano utilizado en ritos
sagrados, forma en que también son descritos los movimientos de Polunin. Hozier
se ha convertido en la corriente que agita el agua y Serguéi en el milagro que
emerge de ella.
Realmente me encanta que un artista actual, de la talla de Hozier,
con su conocimiento en la música, la poesía y la naturaleza humana venga a
ofrecernos su verdad en estas piezas musicales que contienen mas
de lo que uno puede encontrar a simple vista. Se espera que en 2019 lance al
público su segundo trabajo discográfico del que ya hemos recibido un abrebocas
de una calidad impresionante. Un músico que vale la pena apoyar y seguir
porque, a pesar del tiempo que le toma, tiene mucha belleza por ofrecer.
Para nadie es sorpresa que Rosalia se ha convertido en una artista reconocida a nivel mundial. Desde Los Ángeles ha venido cosechando una larga racha de aciertos que la han posicionado como una de las artistas mas importantes por lo menos del ultimo año. Y no es por cualquier cosa, sus trabajos, tanto el primero como el segundo han considerado elementos importantes que merecen ser resaltados y felicitados.
El Mal Querer ha sido un trabajo discográfico que logró encabezar en muchas de las listas de final de año y como fue uno de mis favoritos, no iba a dejarlo pasar. Ya hemos leído, visto y escuchado reseñas de todo tipo. Muchos la han criticado y otros muchos le han dado el visto bueno, lo cierto es que fue este uno de los trabajos mas llamativos del 2018.
Empezaré dándole contexto a cómo quiero que revisemos este trabajo aquí hoy. Este es mas que un disco como tal, en sí mismo contiene dos narrativas que funcionan como un engranaje perfecto a lo largo de todo el trabajo y no es sorpresa, ya que esta obra está basada es un libro. Mi objetivo era analizar tanto el libro como el disco para ahondar en la narrativa y ver como se genera un discurso intertextual entre ambas, sin embargo, este es complicado de conseguir y aun hoy lo sigo buscando. Pese a esto, logré sacar algunos elementos que podemos trabajar con una obra mas cercana y accesible para todos: Bodas de Sangre de Federico Garcia Lorca. Obviamente, es mucho mas reciente. Pero los antecedentes de esta también tienen tintes de las obras gitanas de la edad media que nos sirven para tomar algunos elementos importantes. Hablemos de lo macro a lo micro. La historia del álbum se desarrolla en 11 capítulos, el primero utiliza la prolepsis (un recurso narrativo para irrumpir lineas temporales en la historia) para hacer conocer al lector la problemática que se presenta a través de imágenes que aluden a un palpito negativo o a ensoñaciones premonitorias. En esta canción, vemos un elemento que se volverá repetitivo a lo largo de todo el álbum: la luna. Pese a que puede parecer insignificante, es esta, elemental en la simbologia gitana. En Bodas de Sangre, la luna es un personaje ambiguo, que si bien, mantiene dentro de sí una representación de la feminidad, uno de los pilares cumbres del álbum, también comunica los mensajes trágicos y anuncia la muerte. Esto los complementan con el video, que nos muestra imágenes re-interpretadas de pinturas como Lamentación Sobre el Cristo Muerto. Las imágenes religiosas van a ser visualmente muy importantes dentro de todo el disco, desde el uso en portadas de los sencillos como en los videos. A este le sigue el capitulo: Boda, que es la canción Que No Salga la Luna. Esta tiene muchos elementos que apoyan la narrativa y generan un trabajo envolvente. El primero es que desde el título confirmamos a la luna como un elemento primordial que pasa de ser simplemente un ornamento del ambiente de la noche para convertirse en un personaje mas, que todo lo ve y que todo lo oye. No ha de salir porque no ha de oponerse a la consumación de una fatalidad ya anunciada, que como lectores-oyentes también conocemos. Ahí viene el segundo elemento importante y es que, Rosalia no solo nos está mostrando un disco y contando una historia, sino que nos hace parte de ella, aun sin poder actuar como agentes de cambio en algún punto, Estamos en cierto nivel, igual de privados a lo que estará la protagonista de esta narración. El tercer elemento es el cuchillo, que parece menos brillante que la abundancia de oro que rodea la canción, sin embargo es este un símbolo importante. El cuchillo representa una imposición masculina. Retomando la lectura del libro de Lorca, es este también un anunciante de mal presagio. El filo solo aparece cuando acciones negativas están a punto de suceder, en esta ocasión en ambas historias, tanto en El Mal Querer como en Bodas de Sangre, cuando se consuman las bodas. El acompañamiento visual en la portada, según lo que puedo entender, puede ser una unión irreparable con el dolor, aquel que precede el calvario que está por vivir la protagonista. El tercer y cuarto capítulo está dado desde otra mirada. El primero nos mostraba una prolepsis autoreferencial, donde veíamos desde los ojos de la protagonista, el segundo es un narrador distinto, participe de la boda, por esto nos sentimos también cercanos a esta, incluso podríamos ser nosotros los mismos narradores. Estos dos, están vistos desde el lado del hombre quien cometerá las fechorías. En estas canciones viene el punto de tensión de toda la narración. Pienso en tú Mirá es la descripción del cuadro celopata del marido quien teme por perder a su esposa a manos de otro a tal punto que la encierra en De Aquí No Sales. Reniego es el primer lamento de la protagonista donde desde la portada, que tiene un cristal roto, se quiebra la visión romantizada del matrimonio donde siempre se está bien porque se está en compañía. Preso es un interludio muy claro de lo que viene en la segunda parte del álbum, puesto que se habla de bajar al infierno por amor, la pregunta es ¿Por qué bajar al infierno si es el matrimonio una unión mas cercana al cielo cristiano? Bagdad si bien es una ciudad, ya está más que claro por otras reseñas y por la misma Rosalia, que se habla de una referencia a un sitio nocturno reconocido. Flamenca, al igual que Bodas de Sangre cometen un error irreparable ante los ojos de la iglesia: la infidelidad. En la portada vemos señales, como la curación de los clavos de los pies con oro y la serpiente del pecado como soga de sentencia, por eso esta canción presenta una ambigüedad en su lìrica donde se muestra una pena pero al mismo tiempo el disfrute por las acciones. Di Mi Nombre es la representación del acto sexual consumado. El siguiente capitulo trae el otro elemento importante de la obra de Lorca, la nana. Es una de las canciones mas tristes del álbum, puesto que nos habla de un niño no nacido, basada en dos nanas reconocidas, la protagonista nos muestra una canción melancólica de arrullo a un niño que nunca va a despertar. En la siguiente canción vislumbrando el final del disco, vemos nuevamente el elemento "trágico", el cuchillo. Desde la portada, que muestra la espada de Damocles, hasta el final de la letra donde en medio de un dilema moral, la protagonista quisiera no estar cuerda para dejar de querer, asesina a quien al mantiene prisionera. Emancipándose de cualquier relación patriarcal, el final de esta obra culmina con su libertad no solo como individuo preso sino como mujer. En conclusión debo repetir que este álbum es una gran obra, posiblemente una de las mejores hechas en estos últimos tiempos donde no solo se genera una narrativa que es un remake de otra, sino que se complementa con elementos visuales hechos en los videos y las portadas y con la producción que induce elementos de lo clásico a lo actual. A estas alturas es difícil que no lo hayan escuchado y aun así los invito a hacerlo de nuevo y disfrutarlo como lo que es, una obra intertextual y mutimedial exquisita.
Realizado por: @gothnorrea Un joven bogotano, estudiante de artes de la Pontificia Javeriana, se aburre en Canadá y escribe unos versos sobre su anhelo de tener un Mercedes Benz de los años noventa. Así es como Pablo Jaramillo encarna a Ha$lopablito inspirado por Akapellah y su exposición de los problemas en la cotidianidad venezolana en tiempos de dictadura, sin saber que se convertiría en lo que muchos hoy llaman un “artista revelación” de la escena musical bogotana, todo por rapear lo que muchos sufrimos y trapear con el gobierno colombiano.
En esta ocasión nos trae su producción más grande hasta el momento, que junto al EP que lanzó en el 2017 parece ser un juego de palabras que el mismo Pablo usó alguna vez: “No Son Drogas, Es el Puto Sueño”. Con la producción del que en ocasiones ha llamado su hermano, Aaron Moreno, este par trabajaron duro para entregar este disco que, aunque en todo me suena igual Pablo diga que su carrera “tiene fecha de caducidad”, se espera que sea el primero de muchos.
Desde que empieza a sonar un sample de Sin Poderte Hablar de Willie Colón se sabe que este álbum será seguramente una agradable sorpresa. Una vez da paso a las primeras barras de Pablo, quien rapea casi bailando sobre el beat, no se reprime, no se guarda nada: con unas rimas firmes y “referencias constructivas” a reconocidos personajes colombianos como Lucho Herrera y Jairo Varela, introduce al oyente la imagen de un muchacho sencillo comiendo empanada con salsa tártara mientras engrasa una consola componiendo temas. La producción de Tráptara y de la gran mayoría del disco es muy sobresaliente, al punto de que muchos se sorprenden de lo bien que salió, se nota la mejoría desde No Son Drogas; y es que claro, producir desde un baño es más bien complicado.
Como ya es bien sabido, Pablo prefiere escribir sobre Transmilenio, cigarros, vino barato, empanadas y echarle madrazos a la derecha colombiana antes que hacer trap que sea únicamente “hablar de putas, de pistolas y de drogas y de culear y de plata”, y deja muy claro esta nueva concepción que usa para el trap en casi todas sus canciones, pero en este álbum se destaca particularmente en trabajos como Trappin’ en el D1 y Narcofake, una crítica fuerte a la narcocultura como una moda actualmente. La primera hace hincapié especialmente en la gente que vive de apariencias: “no he flexeado lo que no he comprado”. También se ha caracterizado por incorporar como herramienta lírica anglicismos, de manera moderada, sin generar rimas que parecen forzadas,funcionan. Se nota cómo ha$slopablito va creciendo como artista ahora que las cosas se pusieron más serias. A medida que se ha ido relacionando con otros artistas de la escena nacional, sobretodo de Antioquia (recordemos que fue a tocar a Medellín recientemente), deja reflejar ese intercambio cultural incorporando palabras propias del dialecto paisa, para dar como resultado una mezcla lingüística suave pero rica, que sigue siendo aún muy cercana a quienes lo escuchan.
Ahora bien, Narcofake está en un ambiente algo diferente. Abriendo con una muchacha paisa hablando sobre lo que parece ser la estereotipificación de las mujeres, Tsh Sudaca se hace sentir en esta colaboración, lastimosamente, con rimas muy cojas, que en ocasiones incluso se repiten sin disimulo, en contraste con las rimas de Pablo que demuestran firmeza y buen uso del lenguaje para contribuir al tema con sutiles juegos de palabras que enriquecen la imagen de la canción. La crítica abierta a una glorificación cultural – referenciando al cartel de drogas de Medellín – y todo lo que ella modifica en comportamientos sociales contemporáneos se presenta como un pilar firme de apoyo para las imágenes que se desarrollan a lo largo de la canción. Cuenta con unos samples muy buenos y el coro es refrescante (“música fresca”), relajado y pegajoso, lo que fácilmente la hace memorable, al igual que Tráptara.
Este álbum incluye por supuesto dos sencillos que se lanzaron hace tiempo, entre ellos Tm Everywhere, que más allá de ser sólo una queja abierta al sistema de transporte público bogotano, es moldeada alrededor de la imagen de ir en el Transmilenio con la novia de alguien más que aparentemente siente atracción por uno; así, los problemas de transporte que le aquejan son menguados por la buena compañía.
Dentro de la humildad y algo de conformismo por la situación, porque “toca”, los sablazos no parecen perder fuerza ni mucho menos, y todo esto se logra con el relato de situaciones con las que es muy fácil identificarse, a través de versos generalmente bien logrados. El segundo sencillo incluído, Áspero, ya era bien conocido por el público, y es sencillamente una oda al importaculismo, elemento frecuente a lo largo del álbum. También, es una invitación a quien lo oye a adoptar esa posición y disfrutar el momento con los demás. Es con esta canción en la que se empieza a vislumbrar el potencial que Aaron y Pablo tienen juntos a nivel de producción musical. Dentro del álbum está bastante bien ubicado: después de toi loko (trap básico #1), una canción básicamente dedicada enteramente a los “haters” a pesar de que venda la imagen de que no importan, y antes de gusto culposo, que dedica sus versos a explicar cómo muchos de los que critican nada constructivamente el trap y/o se niegan a él (o incluso, esta nueva rama de él), casi que a escondidas lo disfrutan. El llamado “trap básico #1” termina siéndolo, el beat en realidad no es elaborado (a nivel de producción bien pudo ser parte de No Son Drogas o un sencillo) e incluso tiene el mismo ritmo de granizo, por dar un ejemplo, los versos no son nada complicado tampoco. Son rescatables las referencias al Profesor Súper O y el sample de la Cevichica, pero por lo demás siento que el álbum no necesitaba esta canción más allá de ser compañía de las otras dos canciones mencionadas anteriormente.
Gusto Culposo por otro lado es un acierto conjunto, la manera ideal de cerrar el álbum. Una canción pegajosa que se aleja un poco del beat de trap para convertirse en algo más bailable incluso, que busca a fin de cuentas el disfrute de la música sin complejos, dejándose ver entre los coros al fondo como de quien está simplemente cantando en un toque, y todos los elementos melódicos se unifican para prestarse a este fin.
Hablando ahora de las otras colaboraciones, empecemos con la mejor lograda: Los Peches Remix, con Rap Gang Club, no es una sorpresa. A pesar de que sea un poco disonante que canten todos juntos el coro, los demás elementos de este remix opacarían cualquier error. Pretendiendo difuminar barreras sociales a través de la música, se le dio un giro algo pronunciado al concepto que manejaba la canción originalmente desde el momento en que deciden decir “súbele un poco a la música” en vez de “bájale”, mandando después a la mierda a la fuerza policial, agregando un toque anárquico al asunto; a pesar de todo y evidentemente, se mantienen muchos de los versos originales porque son, por supuesto, el pilar estructural de la canción, pero una vez Rap Gang Club entra en la ecuación con unas barras excelentes, pasa de ser ligeramente conformista a ser más importaculista que otra cosa.
En el otro lado de la moneda tenemos todo me suena igual con CERO39, que resulta ser una canción… algo curiosa. Es evidente que es la más alejada a lo que podemos concebir como Trap, puesto que CERO39 es reconocido por sus beats llevados por el lado de la tropicalia y la rumba en torno a la tradición. Aun así, dando un toque diferente al algoritmo del disco para mi, no es una canción bien consolidada, está llena de rimas que no son convincentes y están desordenadas, como si hubiese hecho una lista de forma rápida sobre lo que genera inconformidad y las hubiera puesto sin mucho cuidado en una canción. Sin embargo, de alguna manera se rescata que Pablo aquí deja entrever un miedo a dejar de ser relevante musicalmente, algo que no está presente en sus otros trabajos, puesto que está enmascarado detrás de una actitud en la que aparentemente todo da igual. Este es un aspecto más personal y humano del artista. Pero, a decir verdad, no se ve claramente lo que quería lograr con esta canción.
La última de esta serie de colaboraciones es la que se hizo con el mismo productor del disco, pero esta vez como artista aparte, con La Guapa Remix, que originalmente es un trabajo de Aaron en solitario. Aquí, Pablo entra a esta especie de dream-pop en medio de las imágenes ya compuestas. Suavemente, pero con seguridad, sin perturbar las figuras de la canción, sencillas por naturaleza pero muy dicientes, siendo sus versos un complemento que se acopla muy bien; me atrevería a decir que quien no haya escuchado la canción original bien podría decir que es esta la primera versión.
Los seguidores de los Changuaboyz dirían que interludio es lo que se podría llamar “changuaracha”, porque es eso, guaracha con el sello de la ya conocida, onda changua y más nada. Producida con más esmero y con un poquitico menos de electrónica para que sea más digerible sin perderle el gustico. Es como el descanso para farrear por un minuto y si uno cierra los ojos puede ver luces strober de discoteca y percibir un tufo a guaro suave. De Merchopercho, su debut, ya se ha dicho lo que se ha tenido que decir. Granizo comparte quizá un poquito la idea de Bruce y Margaret de Nicolás y Los Fumadores, sencillamente por el tono de queja hacia una muchacha, aunque algo más agresiva. La caída de la lluvia y los terrones de hielo se mezclan bien con el beat para luego dejar ver que, a todas luces el granizo, o más bien, los cambios de clima bruscos comparados con los cambios de parecer de la chica, son usados como metáfora para una relación problemática, pero a su vez sirve como ilustración del clima de la capital. A lo largo de su corta carrera Pablo ha hecho uso de Ad libs o contrapuntos propios del rap y el hip-hop contemporáneo, recordando por ejemplo a Travis Scott, pero lastimosamente no tan bien logrados. En esta canción hace uso del "yas", que creería yo es el único que realmente parece dominar sin mucha dificultad. Parece que hiciera una referencia a Mil Horas de Los Abuelos de la Nada al decir “yo mojándome en tu lluvia más de una noche”, pero a su vez hace referencias explícitas más locales como a Manuel Turizo, La Etnia y Bad Bunny. Es también un tema, como se dice coloquialmente, valeverguista, pero difiere un poco con el ambiente siempre crítico de su música en general, lo cual se le reconoce, porque a pesar de que ese sería su aporte innovador al género, que se vuelva monotemático tampoco es la idea. Tiene buenas rimas y el coro es pegajoso, próximamente se verá coreado.
Por último tengo Colombia país de mierda y es así porque tiene un poco de todas las críticas que hasta el momento ha hecho este señor, porque claro, todas se basan en cositas de este hermoso maizal. Junto con ledoy y nos llevó el p*tas, son sus temas de tinte más político, pero en este caso se mete más también por el lado de las repercusiones sociales. Quiere cojear a veces en rima y ritmo en el verso y hay una que otra redundancia lírica, pero es una canción fuerte y enérgica y abarca muchos puntos problemáticos a nivel nacional y la influencia de otras problemáticas de países vecinos, e incluso sus consecuencias en el comportamiento cultural, y tiene un puente chévere. En general un buen tema pero no el mejor del álbum.
En pocas palabras, ha$lopablito está logrando poquito a poco lo que desde un principio se propuso pero reconoció con seguridad un poco después, y es hacer un aporte diferente al género del trap en Colombia. Para ser éste su primer trabajo discográfico extendido, es un logro, con sus flaquezas incluidas, porque se está empezando a ver su evolución como artista y compositor, a pesar de que todo ha sido un proceso más bien acelerado y repentino. es el puto sueño es una pequeña muestra de lo que Pablo Jaramillo y Aaron Moreno son capaces de hacer juntos: este álbum es el primogénito de este matrimonio de hermanos, y es bonito, parchado e irreverente. Seguramente el público seguirá a la expectativa de más producciones de parte de este par, porque no hay duda de que son capaces de hacer cosas más grandes que esta.
Esperamos los Changuaboyz nos mantengan informados al respecto de cualquier novedad y que como nuevos artistas en lo que llamaríamos “la escena”, sigan trabajando siempre en busca de la auto-superación con beats cada vez más ásperos y versos todavía más aletas, sin perder su esencia y sin olvidar de dónde vienen: “Bogotown coolin parce yeah that's where i stay”.
"...Ese non serviam quedó grabado en una mañana de la historia del mundo. No era un grito caprichoso, no era un acto de rebeldía superficial. Era el resultado de toda una evolución, la suma de múltiples experiencias.
El poeta, en plena conciencia de su pasado y de su futuro, lanzaba al mundo la declaración de su independencia frente a la Naturaleza..."
