Las fotografías fueron tomadas por Marcela Parra (@marzzzzela) y Juan Diego Barrera (@balandro_)
si dan click en sus @ pueden seguirlos en redes, a ellos gracias.
Empezaré por decir que no tenía ni un solo gaitán para ir a este evento y que agradezco infinitamente a Juanita que convocó una vaca para llevarme, a la gente que tuvo intenciones de colaborar, a Margarita por ayudarme con mi transporte y finalmente a Gabriel por darme la boleta, hicieron de mi una Cenicienta inmensamente felíz.
Fotografía: Marcela Parra
Después de confirmar que sí estaría en el evento, llegué a eso de las 4 de la tarde a La Roma Records, lugar en el cual se haría una pequeña rueda de prensa seguida de un acústico para las primeras 50 boletas. Esta crónica debió ser una entrevista, sin embargo el tiempo jugó en contra y la banda llegó justo para la hora del pequeño toque, el cual a eso de las 6 mucha gente impaciente ya esperaba. Me encontraba al frente y cuando empezaron me pareció un poco increíble finalmente estar ahí. Interpretaron seis canciones, Anabella, la vocalista solo sonreía cada tanto y daba las gracias, las personas aplaudían y coreaban, se asomó una que otra lagrima del público pero no dio tiempo de mucho llanto, todo pareció muy corto, de un momento a otro ya estaban tomándose fotos con la gente y firmando discos y boletas.
Nos movilizamos a pie, desde la tienda de discos hasta Boogaloop, tomando ron después de enterarnos que ya no nos pueden multar por tomar en vía pública. Llegamos a la puerta justo a la hora de entrada. Quedamos, mi grupo de amigos venidos de otras ciudades o que no veía hace mucho y yo, justo al frente de la tarima, quizás el primer error, pues la madera del borde tallaba en las piernas y por el poco espacio que había entre todos en cada pogo lo único que pasaba era que nos lastimabamos. El Enemigo hacia su set y poco era lo que se podía bailar pues el sitio se llenó bastante rápido.
Fotografía: Marcela Parra
La primer banda que ocupó el escenario fue Quemarlo Todo Por Error, banda que no me gusta, posiblemente uno de mis momentos más incómodos de la noche puesto que estaba justo al frente de su vocalista y en todos los videos salí bostezando. Aun así las canciones fueron coreadas y pogueadas por la gran mayoría.
Después subieron a escena Las Yumbeñas, con unos kimonos de flores y sandalias blancas de plataforma atadas al tobillo con un listón de encaje saludaron a todos quienes animados las veían, estaba animada por verlas, aún así por el constante golpe de la tarima tuve que quitarme del frente y huir hacia el lado donde el espacio que quedaba era más prudente, incluso, solo habíamos tres personas, así que pude quitarme los zapatos y saltar y bailar el resto del concierto desde ahí. Esta banda, pese a las fallas constantes del sonido que no daba el volumen adecuado para sus voces y la guitarra, dieron toda la energía con temas ya conocidos y muchas novedades, nos fue posible escuchar una gran parte de su próxima entrega. Quisieron tocar una canción más, pero por cuestiones de itinerario no lo lograron, no les dieron el permiso.
Se bajaron entonces y empezó el Set de DJ Ruido que estaba muy nervioso desde temprano, Las Ligas Menores era uno de sus sueños hechos realidad y no conforme con eso tenía la oportunidad de poner música en aquel evento que tanto había esperado. Aún torpe en algunas ocasiones y preguntándose constantemente que pondría después de cada tema, el tiempo fue pasando y la hora que todos esperaban estaba llegando.
Fotografía: Juan Diego Barrera
Cerca de la una la gente empezó a impacientar y con total razón, el calor podía llegar a ser insoportable y el poco espacio, estresante. Los gritos aclamando por la entrada de la banda empezaron a sonar más y por fin, a eso de la 1:15 de la mañana, salieron los cinco integrantes a sus posiciones y el momento cúspide de la noche comenzó.
"Si te pido que me cuentes una historia, no me importa que tan largo es el relato. Solo quiero que inventes para pasar un buen rato..." fue la primera frase que salió de la banda argentina, dándole entrada así a El Baile de Elvis. Desde donde estaba tenia dos imágenes, la primera era de Anabella, de pocas palabras, que así como en La Roma soltaba una sonrisa tímida cada que escuchaba a la gente corear las partes más pegajosas de sus canciones, la segunda por otro lado era la del público, en la parte de atrás lleno de saltos y gritos, realmente enloqueciendo y adelante sufriendo aún por el golpe, sin embargo así cantaban y trataban de hacer su estadía más llevadera.
Fotografía: Juan Diego Barrera
Vi a muchos llorar en medio de diferentes canciones, e incluso yo lloré con Accidente y Contando Lunas, y es que, a veces parece que aquellas canciones que se escuchan en casa en situaciones difíciles o que se dedican en medio del querer están lejos de ser presenciadas y aún así ahí estaban, justo en ese instante y todos estábamos felices y completos, al menos por una hora y un poco más.
Al ser canciones oscilantes entre los dos y dos y medio minutos, la lista corrió bastante rápido. en un abrir y cerrar de ojos estaban cantando "Ay que dolor, prefiero dormir todo el día de hoy sin pensar en las cosas que tengo que hacer..." y todos eufóricos respondían, tanto así que se adelantaron un coro y todo sonó graciosamente disparejo.
Todo finalizó con el "pa, pa, pa..." de su último sencillo lanzado, fueron entregados los setlist a algunos asistentes y las luces cayeron, Las Ligas Menores ya habían pasado por Bogotá. A las 2 tuve que dejar de ser Cenicienta e irme casi en una carroza hasta donde vivo, a caminar entre casas desiertas. Todos salimos al amanecer cuando no se escuchaba ningún ruido y escapamos caminando sin parar.
Cuando pensamos en distribuidoras de música importantes e independientes en latinoamerica y tenemos como referente la música tradicional, podemos claramente tener en el radar a Fértil Discos, de Argentina. Es este quien se ha encargado de llevar a nuestros oídos —o por lo menos a los míos — artistas como El Remolón o Pol Nada. Pero más allá de eso, Fértil Discos ha venido haciendo un trabajo muy ¡muy! importante. En el 2017 sacó el compilatorio La San Llamarada realizado por Pol Nada, el fundamento de este era el reconocimiento de Linares Cardozo, un personaje importante a la hora de hablar de tradición y cultura en aquel país. pueden leer una reseña que hice para aquel compilatorio dando click aquí.
Esta vez, dos años mas tarde, a manos no solo de un artista sino de varios, se han vuelto a poner la 10 para sacar El Camino de Leda, un homenaje a Leda Valladares, quien al igual que Cardozo, fue parte importante del folclor. Poetiza, interprete y escritora la convirtieron, junto a personalidades como Maria Walsh, con quien trabajo varios años, en pilar importante de la cultura no solo argentina, sino latinoamericana.
Su trabajo decolonial logró que pese a que fuera de una familia burguesa, criada en la cuna del pensamiento europeo, lograra cultivar un Tucuman desde lo raizal y replantear el imaginario de argentinidad que se vivía en los noventa con el auge del rock en latinoamerica y más en su país, donde bandas como Soda Stereo dominaban los mercados. El pensamiento fronterizo logró emplear el rescate dado por la tradición hispana en un reconocimiento de la música a la que geográficamente estaba expuesta pero ignoraba.
Desde ahí parte todo un trabajo de investigación, recolección y sistematización de toda una historia no oficial, la historia contada a través de los cantos de sus ancestros. Para refrescar la memoria o conocer a Leda en su estado puro, pueden escuchar Un Grito En El Cielo Vol. 1 y Vol. 2, compilatorios realmente preciosos donde con artistas como Cerati interpretan música salida desde lo mas profundo de la tradición.
Su propuesta re-vitalizadora se extendió hasta después de su muerte y es lo que hoy nos permite tener El Camino de Leda, una reelaboración a la tradición misma, a partir de las nuevas tecnologías en la música. La propuesta de Fertil Discos es " buscar generar desde la nueva música y la tecnología, texturas y sonidos (muchas veces imposibles de lograr con instrumentos) que creen espacios diferentes para recibir esas voces, y también valerse de ritmos y cadencias que no sólo nos devuelven lo ancestral, sino que también lo vinculan a nuestra experiencia diaria en las ciudades modernas".
Escuchar este disco es un viaje por nuevos lugares no explorados en el tiempo de Leda, que se amalgaman perfectamente a la expresión de esta. Si bien, las canciones son más dinámicas y mucho mas arregladas por obvias razones, se mantiene una pureza digna de las montañas de las que vienen estos ritmos. El álbum tiene en su mayoría una organización de un productor y una sola voz. Siento que es un elemento importante, porque si bien, en su totalidad está la recuperación del concepto de canto colectivo, la individualidad de cada canción le da un aire no solo más personal, sino mas solemne. La canción que abre es una baguala, interpretación que originalmente depende de una caja, una quena y una voz, base que se mantiene en esta reinterpretacion. En segundo lugar, tenemos una de mis canciones favoritas de todo el disco: Yo He Sido. La interpretación de la voz es hecha por Shaman Herrera. Escuchar a este hombre es estar envuelto en una textura completamente ajena a la que nos pueden presentar muchas voces regularmente. La profundidad y grosor de su canto nos acoge en medio de un eco engrandecido dedicado a el primer beso, representado en la lírica por muchas cosas vivas, que crecen, que vuelan, como el naranjo florido o la mariposa. Cuando Oiga Sonar la Caja, es una oda a ese gran momento de encuentro entre la tradición y el sujeto. Entre lo que pude leer de las vidalas, son cantos que poseen una melodía melancólica pero aun así dan vida, según la creencia popular. Lo cual me parece curioso, porque sí es evidente que, pese a que se siente un aire mas cadencioso, aun así sigue siendo una canción muy enérgica que gira alrededor de la belleza del canto y del sonido, es a mis oídos un acto de catarsis frente a eventos complicados. De hecho es mucho mas visible el componente de lo melancólico en canciones como Ay, Pajarillo, en el que en medio de los recuerdos, el cantar alegre de un ave logra despertar un dolor en quien lo escucha. Por esta tónica le siguen canciones como En Otro Poder y Sin Darle Motivo, las cuales también muestran un dolor causado por el desamor.
Todas las líricas están soportadas por imágenes muy hermosas de la vida como un proceso, realizando metáforas constantes al rededor de elementos en la naturaleza y sus ciclos. Así mismo termina el álbum, cerrando con Canción de Velorio, es decir con el fin de un ciclo. Pareciera ser que todo el trabajo está soportando también por el recorrido de la vida, a través de las diferentes etapas del amor, desde el nacimiento de una insinuación al querer hasta el final donde todo muere y se desvanece. Así, el camino de Leda tiene un inicio y un fin marcado mas allá de la enumeración de las canciones. Este trabajo no me parece solamente importante por su carga estética, sino también por su peso en la difusión de una cultura que vamos perdiendo poco a poco a manos de nuevas tendencias. Por eso me parece esencial reivindicarlas culturalmente y más si se lograron modificar de manera que ahora son mas accesibles para los oídos de nuevas generaciones, como la nuestra, que no vivió tan expuesta a toda esta música llegada de lo profundo de los paisajes. Los invito así a escuchar, descubrir o re-descubrir a Leda Valladares.
Esta semana, gracias a Andrea Perez, conocí a Nahuel Briones y junto con el a Mariana Michi (pero esa es otra historia). Si bien, mi gusto no está realmente hacia la música pop, encontré elementos conceptuales dentro de este trabajo que me llamaron la atención y que me llevaron con mucho gusto a hacer esta entrevista. Igual y este blog difunde música para todos los gustos, democratización del arte que le llamo jaja
En este marco de festivales, nos encontramos en uno medio oculto de cantautores latinoamericanos que van girando y llegan a la ciudad para ser acogidos. Invitados todos. Las fechas de Nahuel son hoy en Locus junto con Maria Mónica en su proyecto Montañera y mañana en Casa Kilele junto con Mariana Michi.
Bienvenidos a esta nueva charla en Nonserviam.
(fotografias todas sacadas de facebook)
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Antes de convertirte en Nahuel Briones artista ¿qué habia? ¿ con qué música te criaste?
Nadie se dedicó formalmente a la música en mi familia, nadie decidió vivir de eso. En mi casa se escuchaba música muy diversa, me llamó la atención en esta gira por latinoamérica que me preguntan “bueno, ¿qué música conoces de Chile?” y digo claro escuché a Inti-Illimani, a Victor Jara, Violeta “¿de México?” bueno, escuché a Lafourcade a Negrete. —¿ Qué música escuchaste de colombia?— La cumbia, no reconozco mucho nombres puntuales pero la cumbia colombiana está en todo el mundo.
Lo que digo es que en mi familia se escucharon muchas cosas, recuerdo música cubana, también a Talking Heads, king Crimson, Charly García, Soda Stereo. Eso me influenció, aunque hubieron cosas que me dejaron de gustar, pero pienso que las influencias no son solo las cosas que te gustan, cuando hay algo que no me gusta me intriga el por qué.
A mi me sorprende el fenómeno Soda Stereo, a mi no me gustan, pero me generan mucha intriga, cuando voy a otro país me referencian como el argentino, entonces el fan de Cerati. Obviamente hay una influencia porque igual y los escucho, son muy buenos pero no me encantan, siento un junte de cosas como The Cure y esto explica porque en España no pegó y era porque The Cure les quedaba a 45 minutos en tren, me parece eso llamativo. El más importante para mi es Charly, me emociona ver como llega a otros sitios.
Escuché mucha música gracias al nacimiento de spotify y aun así hay cosas que no me gustan, pero parodiarlas o criticarlas es usarlas como influencias también.
Hay géneros que me parecen muy raros como el punk, antes me gustaba, ahora ya no tanto, en el que denuncias las baja del capitalismo y las fallas de las élites pero pasan cosas muy chistosas cuando en un festival del estado contratan estas bandas. Las gestiones de gobierno les pagan para que en el escenario denuncien esas mismas gestiones, es hermoso, como una joda un poco, dices tu mensaje en estos escenarios que funcionan, sería peor no decir nada. Me parece importante hablar de lo negativo, el optimismo infundado es horrible, decir “todo está bien” es dañino, “todo va a ser una mireda” da al menos ganas de modificarlo para mi.
Conocí tu música realmente hasta hace muy poco, un par de días, asi que, para mi y para todos ¿qué es, por qué es y cómo es Nahuel Briones?
En principio, yo tengo 28 años y empecé a estudiar música a los ocho, o sea que hace 20 años toco la guitarra y hago cosas, pero mas o menos a los 13-14 años empecé a tocar en vivo con bandas y hubo un momento en que me cansé de ser el que más tiene energía siempre y empecé a armar muy a mi pesar un proyecto solista, aunque la verdad prefiero las bandas, la gracia de hacer algo que lleva tu nombre es que puedes decidir todo, todo el tiempo. Si quieres tocar con 50 músicos y los tienes, puedes hacerlo y si quieres viajar solo también se puede, y está bueno y ya llevo 8 años de tocar solo con mi nombre.
Saqué un disco en el 2010 que se llama Pera Reflexiva que lo grabé en el patio, en el lavadero del departamento de mis papás, yo en ese momento no conocía otra manera de grabar discos, no sabia que tenias que ir a un estudio y hacerlo allí, yo solo tenia mi computador y una placa y así lo grabé.El disco quedó bien, pero ahora me doy cuenta que quedó medio escondido, poca gente sabe de la existencia de ese disco, hablan del segundo como si fuera el primero.
El segundo se llama El Cruce de los Unders, y ya es un disco como mucho más profesional por muchas cosas. Primero porque está grabado con una banda muy grande que de llama Pera Reflexiva, era una banda que tenía dos baterías, tres guitarras, cuatro voces y vientos. Tuve la experiencia de que este disco lo produjera Jorge Álvarez, el fue el primer productor de rock nacional en argentina, es quien le puso el nombre de rock nacional a eso y creo el primer sello independiente en Argentina, en los 70’s, que se llamaba Mandioca, editó a Charly, a Spinetta. Yo lo conocí teniendo 81 años, fue increíble, porque si bien había sido un productor muy famoso, sobretodo en España, yo lo conocí muy viejo y sin un peso y fue una gran relación, fue el under de nuevo.
Vino a todos los ensayos durante un año, era una persona que tenía críticas muy violentas, su manera de decir las cosas era siempre la peor y si bien, fue muy duro, me sirvió un montón. Él no sabía nada de musica, solo opinaba lo que le parecía “el estribillo está muy corto” o ”la letra está malisima”, me sirvió que fuera más exigente que yo. La realización de este disco duró 5 años. Fue un álbum, el primero que tuvo cierta repercusión en el público.
Dos años después salió Guerra/Soldado, que se editó en un formato de comic. La idea era editar un EP electrónico que se llamara Guerrera y algunos meses después, un acústico que sería Soldado. Me fui de gira a Europa y tenía bajadas en el celular las canciones, este las reprodujo todas en random y me di cuenta que estaba mucho mejor editarlo de una manera mas didáctica. Pero pensé que debía estar acompañado de algo, no quería que fuera otro compilado de canciones. Quería que tuviera ilustración y texto, las ilustraciones no son mías. Este disco tuvo gran repercusión, realmente puedo decir que el público que he logrado hasta ahora ha sido por esto.
Habla no de una ruptura amorosa, sino de todas: el odio, el olvido, el momento donde se reconoce que el error fue de uno. Mucha gente me escribió, algo que me parece increíble, para decirme que esto los ayudó a separarse. Si bien parece algo horrible, en realidad no lo es, hay gente a la que le cuesta mucho tomar la decisión. A veces me dicen que con alguna canción se enamoraron y está bien, me gusta, pero uno se enamora muchas veces y a veces muy fácil, separarse es mas difícil, me parece increíble. Este disco salió en septiembre del año pasado y pasó algo muy loco, en ese momento gané un premio en la bienal de arte joven en Buenos Aires, se anotaron más o menos tres mil músicos y ganamos cuatro. El premio era la grabación de un disco con absolutamente todo desde grabación hasta difusión en prensa, solo que había que entregar el disco en febrero y el anterior había salido en septiembre. Entonces tuve que encontrar de que este disco se relacionara con el anterior para presentarlos juntos porque estaban muy cercanos. Es un proceso posterior al duelo. Es como el hijo de Guerrera y Soldado y por eso se llama El Nene Minado, a parte que es más chiquitito —dice entre risas—.
También más o menos, en esa temporada gané un subsidio de Divermusicas para hacer una gira por latinoamérica. Se que esta es una unión de Ministerios de Cultura de países hispanoparlantes, es un premio complicado, había pocas chances de ganarlo, esto financia los pasajes de toda la gira. Fue muy bueno todo, pero muy estresante, estaba saliendo de un disco, de una gira, entonces a veces tenía que quedarme grabando toda la semana y el fin de semana irme para la gira y el lunes volver a grabar. Eso es lo que hay hasta ahora, ha sido un muy buen año.
¿cómo es posible congeniar el amor, el desamor, la política y el pop en un mismo proyecto?
Si bien hay mucha gente que no hace esta pregunta, me parece sorprendente que te sorprenda esta mezcla. Esto surgió un poco a partir de conversaciones que tengo con mis amigos, con mi familia, con la gente del trabajo, por ejemplo “¿Cómo andas con tu pareja? no re mal, nos peleamos y aparte no tengo un mango por la situación del país” entonces me parecía que no podía quitar lo que sucede en Argentina de las historias de amor. Yo tengo ganas de decir muchas cosas que pienso. Hay una canción en Guerra/ Soldado que dice “quiero que seas feliz, sé libre, sé lo que sea, menos policía” y esta que dice “bailamos como si hubieran separado a la iglesia del estado”. Siento que en general los artistas que tienen contenido político, a veces solo tienen ese contenido lo cual hace que mucha gente a la que no le interesa eso, directamente no entre. Si tienes una banda de izquierda super marcada va a llegar a un público que solo quiera eso y no va a poder llevar ese mensaje importante tal vez a otra gente.
Yo lo que siento es que a mi lo que me interesa es contar una historia de amor y decir “bueno estamos tan enamorados que festejamos de esta manera, como si la iglesia ya no existiera” y me ha pasado por ejemplo, que he tocado en provincias de Argentina que son muy religiosas, muy católicas, como Tucuman e ir a tocar a un programa de televisión, empiezo a tocar la canción y de pronto llega el coro y yo ya estoy al aire y me encanta ver las caras del estudio cuando estoy cantando y no pueden cortar, esa posibilidad se pierde cuando directamente atacas con el mensaje, no te van a dejar tocar, mas allá, es que me interesa hablar de amor, pero no quiere decir que mi música sea pelotuda y tenga que ser un mensaje vacío.
¿Cuál es la contraparte de hablar de poítica y religion?
En general pasan varias cosas. Las redes sociales se prestan para todos opinen cualquier cosa, el cyber bullying, la violencia está a flor de piel. Yo digo, menos policía y sí, hay comentario de gente insultándome. Hay un comentario que me parece increíble en el video de bailamos que dice “por qué hablas mal de la iglesia si ya te puedes casar, puto de mierda” y es que la gente mezcla cualquier cosa. Si me quisiera casar con un hombre en Argentina, lo puedo hacer pero no por la iglesia, entonces igual puedo hablar mal de ella. Por otro lado, cada que voy a lugares que son muy retrógrados, la gente necesita que le canten otra cosa. Cantar esta canción en represión forma una fiesta, a diferencia de si lo haces en un contexto más abierto, no tiene tanta importancia.
pasa que a veces yo creo que estoy desubicado geográficamente tocando y recibo mensajes de “gracias por tocar esto”, me pasó tocando en Perú y una chica me dijo ”mira yo soy muy católica, pero amo la canción” hay gente que le llega la música y ya.
¿Cuál es tu mirada del amor del desamor siendo músico, siendo hombre, siendo Nahuel a los 28 años?
Que pregunta tan compleja. Pasa esto, yo siento que en cualquier cosa que uno intente pensar distinto o cambiar es difícil, no es como decir “siento celos estúpidos y los voy a dejar de sentir desde este momento”. Desde que empezó el cine, la literatura, la danza, hay una bajada de línea muy dura de que el amor es de cierta manera, de que es exitoso en la sociedad, cuando dura, cuando no deseas a otra persona preferentemente nunca, cuando estás siempre bien. Es una idea exitista, cuando no la alcanzas te deprimes o sientes que no eres bueno para el amor.
Empecé a ver en el último tiempo no solo en mis historias sino la de gente que conozco, que llevan diez años con una pareja donde no funciona nada hace cinco y tienen miedo de mostrar que esa pareja fracasó, del mismo modo sucede con la música, reconozco que esta gira tuvo buenos conciertos y otros muy malos y me gusta contarlo, decir “hoy no pudimos tocar porque no vino nadie” y es lo que sucede cuando eres nuevo y vas a tocar a un lugar donde no te conocen. El amor es igual, a veces dices “este es el amor de mi vida” y tan solo te duró tres meses y ¿la pasaste mal? no, estuvo bueno, o estás con quien no tienes un amor tan profundo pero son buenos compañeros y se llevan bien mucho tiempo o tienen una relación abierta y están bien. Lo que quiero contar en mis canciones es que la gente de mi generación o, de la de mis padres o la de mi hermana, entienden el amor de una manera y lo que puedo hacer es que personas mas jóvenes no pasen por eso.
Si sales con una persona y esta desea a otra, la decisión está en ti puedes afectarte, puedes seguir, puedes irte, puedes hablarlo pero la idea de que todo lo que el otro hace debe repercutir en ti de forma negativa, es re grave. Yo se que es difícil cambiarlo, a veces lo que pensamos no es lo mismo que sentimos. La generación de mis abuelos no se cuestionaba estas cosas, para ellos era así, era lo correcto, si una mujer deseaba a otro era una puta, pero ya no debe ser así. Debemos generar un concepto de libertad, esa es la verdadera unión, el querer que el otro se sienta bien y esté feliz sin tener que ser una atadura afectiva.
Lo que quiero exponer en canciones como “Ya No Es”, es que todo lo que está pasando ahora, en algún momento no va a ser importante ¿por qué preocuparse?, tenemos una tendencia al bajón todo el tiempo. Estoy pensando en Michael Stipes, quien hasta sus 52 años dijo que era homosexual, paso 52 años dándole importancia a otras cosas que no lo eran y él mismo lo dijo después “no quiero que nadie pase tanto tiempo sin hacer lo quiere”. Si estás con alguien y te sientes mal, siempre puedes dejarlo y también cuestionarte si eres parte del mal causado, tal vez no sea drama, tal vez también es tu culpa, a veces es así.
Hablemos de Nuevos Monitores ¿cuál es la crítica mediática que realizas?
Te cuento como surgió esto. Hace un año en Argentina se aprobó una reforma que es básicamente recortar jubilaciones, y, en ese contexto me pareció tan absurda y tan violenta esta reforma que tuve la esperanza de que no sucediera. Cuando fueron las votaciones fui al congreso y me encontré con muchas personas de diferentes épocas de mi vida, de la primaria incluso y eso nos hizo pensar que había esperanza. Pero en algún momento nos reprimieron a todos y botaron la ley igual, recuerdo que esa madrugada llegué a mi casa a las tres de la mañana muy mal, lleno de miedo de correr, hubo una avalancha de gente, empezaron a disparar y empecé a pensar que nuestro estado de ánimo no puede depender de esta gente, porque ya dependen varias cosas como nuestra economía y lo único que podemos hacer es más o menos intentar divertirnos con lo que nos queda, porque entre lo que va a pasar con Brasil y Bolsonaro, con Duque y el recorte a la educación, lo que pasa con Trump, el mundo está mirando para un lado preocupante y es muy difícil afrontarlo, lo que quiero hacer es una canción bailable para mostrar lo que está sucediendo. Lo que dice es “ojo con la información que recibes”. Los monitores dicen lo que se supone que está pasando, pero los medios están comprados, los diarios importantes de mi país afirman que todo está bien o que es culpa de alguien anterior, igual que aquí, igual que en méxico, que en todos lados.
Ya tuvimos las dictaduras pero ahora tenemos personajes represores que apoyan cosas inmensurablemente crueles. Sí, todo está una mierda, no veo futuro, siento que nada va a cambiar, solo nos queda vivir de lo que no se llevan, de lo que no nos pueden sacar, juntarnos a bailar y querer. Piensa y cree en lo que quieras, en la astrología, no importa, todos nos vamos a morir igual, pero no seas como la gente que escudándose en lo espiritual es una mierda con el resto, refugiate en los que te quieren y tú también quiere.
Trabajando en una industria ¿cómo es tu relación con los medios siendo un crítico de los mismos?
Algo que me sorprende y me genera contradicción es que soy querido en varios medios a gran escala de Argentina. El diario La Nación, que es uno de los más represivos en Argentina, el dueño es el tataranieto de Bartolomé Mitre, quien fue uno de los presidentes más violentos, se llama igual de hecho, eligió mi canción, la que dice “menos policía” como una de las canciones del año, no entendía si era un chiste de mal gusto pero la eligieron, o como Clarín que es un medio que tiene comprado de todo, canales televisivos hasta de deporte que nunca cuentan lo que sucede, de la nada me entrevistan y yo digo criticas al medio y sale en el diario. Me siento un poco subversivo a veces, aunque en otros momentos me siento inútil , pero es lo que tengo para decir y se refleja en el contexto que lo digo, son contradicciones que suceden cuando estás inmerso en el capitalismo.
A mi lo que me da pena es que digamos los rockeros viejos, muchos de ellos son muy fascistas, a sabiendas de que fueron la bandera de la libertad en algún momento. Uno los ve ahora haciendo comentarios negativos del feminismo, de los inmigrantes, de los homosexuales, es muy raro ver a veces minorías discriminadas que discriminan.
Pero en general me llevo bien con los medios, a veces pasa que voy a lugares con gente que me trata super bien y al otro dia los escucho diciendo cosas horribles, pero muchas veces no puedes investigar de fondo a todo el personal con el que vas a trabajar, es el riesgo de relacionarse con gente en una industria.
¿Qué te llevas de los lugares a los que ya has viajado?
Es una gran pregunta esta. Mi primer viaje fue con el segundo álbum a Europa, estuve en Barcelona, en Madrid, en Fitou, un pueblito muy pequeño medieval en Francia, todo de piedra y en París y Berlín, era la primera vez que salía del continente fue un poco estresante y agotador, pero viajé en trenes a sitios donde no me conocía nadie y estuvo bueno cantar para gente que no entiende tu idioma, lo recomiendo, las letras pierden sentido, decir “policía, culo o casa” es lo mismo. Uno entiende la voz de manera distinta, recuerdo que subrayaba palabras que me parecían importantes, así se lograba emocionar.
Viajar me dio una idea global de que hay cosas en Argentina mejor de lo que pensaba en relación a otros lugares. Siempre sentí desde chico una falta de empatía con mis compañeros varones y sus chistes machistas, y no lo digo como “soy el feminista del año”, ni de joda, solo me incomodaban a mi como varón y como chico. El avance del feminismo me dio una tranquilidad de decir que por lo menos sé que si estoy ahora en un boliche y alguien hace un comentario estupidisimo, otro, sea yo o no, le va a decir que está mal. Tenemos el ejemplo de Cabrera quien en una entrevista hizo un comentario muy machista y violento que para él fue en chiste; después de esto las radios decidieron no pasarlo más, las disquerías no vendieron sus discos, cancelaron los conciertos y si cruzas la frontera de Argentina- Uruguay las paredes dicen “Fuera Cordera”. Y yo pienso que si esto hubiera pasado hace diez años, no hubiera pasado nada, ahora no, ahora somos mas conscientes de que nunca ha sido un chiste, de que lastimas gente con lo que dices, de que hay algo mal, eso se modificó en Argentina, que aun es muy machista, pero salir a latinoamérica me hace dar cuenta de que somos un poco menos machistas, de que algo ha cambiado.
Por otro lado también me he dado cuenta de que por fuera del país la gente es mucho más cordial, si alguien te choca acá en colombia te dice “disculpa” si te cruzas mal la calle los carros paran y te miran con cara de que “eres un boludo pero igual y te doy paso”, en Buenos Aires nunca verás eso, nunca lo he escuchado y lo he apropiado mucho.
Hemos escuchado también toda la vida que en Europa todo funciona mejor y sí, el subte llega perfecto y todo es moderno pero a qué costo, cuando viajas a latinoamerica te das cuenta que es porque nos masacraron y nos robaron y tienen todo. Eso lo aprendí viajando, salir del país me hicieron darme cuenta de que no soy nada en el mundo, soy un punto mínimo, parece angustiante pero no, es hermoso. Viajar siete horas y ver campo, vacas, bosques y saber que ha sido así durante cientos de años te hace pensar en la inmensidad en la que vives inmerso y todo pierde una importancia determinante.
Recomiendanos música, difunde artistas
Los artistas del under que se establecen me parecen geniales pero no hace falta que los nombre porque ya se llevan tres mil personas y hay otros que se llevan trescientas, así que:
Bien es sabido que el arte es el reflejo de la sociedad misma. Latinoamérica, como bien sabemos ha sufrido diferentes tensiones políticas y sociales que han desencadenado en movimientos artísticos representativos. Uno de ellos, del que hablaremos hoy, es el subgénero literario llamado la novela de dictador. Muchos son los ejemplares que se enlazan a este subgénero. Garcia Marquez, Carpentier, Asturias, Vargas Llosa, Osorio, entre otros, han sido los representantes de este particular movimiento que se da —evidentemente— a partir de la represión resultante de las dictaduras en los diferentes países.
En esta ocasión nos ubicaremos en Argentina gracias a Luisa Valenzuela, quien nos presenta Cola de Lagartija, una novela paródica basada en José López Rega, mejor conocido como El Brujo, Ministro de Bienestar Social encargado de organizar la Triple A y de ejercer opresión y manipular a los ciudadanos a partir de la devoción al cristianismo y los valores patrióticos. Realmente leí esta novela para una clase de la universidad, me correspondió al azar puesto que yo había elegido analizar otra antes, pero me gustó tanto al final que quise compartirla con ustedes.
El Brujo es un personaje con todas las características dignas de un protagonista de la novela de dictador. Nace, crece y muere creyendo que es el centro del universo y que debido a su poder debe ser vanagloriado y respetado por todos aquellos que los rodean. Hay varios elementos importantes a lo largo de esta obra en los que me gustaría hacer hincapié para desmenuzar este trabajo y comprenderlo mejor. Yo dividí este trabajo en cuatro puntos claves generales que se repiten como signos a lo largo de toda la obra:
El primero evidentemente es el humor con el que se cuenta la historia. El Brujo es un personaje terco y hostil que quiere hacer lo que sea con tal de conseguir lo desea. Sin embargo hay dos puntos de vista principales que evidencian al verdadero personaje principal, el primero es el propio. El uso de monólogos nos hace ver a este protagonista como un ser grande, lleno de poder, inalcanzable, pero gracias a los subtitulo podemos darnos cuenta que sucede cuando este punto cambia hacia los ciudadanos: burla, ridiculización y la consideración incluso de síntomas considerados dentro de su falta de estabilidad psiquiátrica. También, estos rasgos empezamos a asumirlos como lectores a lo largo del texto, con su acciones no solo vemos su ejercicio de poder, sino también como el mismo valida el ridículo como un método para ejercer.
El segundo es el uso del cuerpo como un elemento de jerarquizacion social dentro de la historia y la sexualidad como representación de poder, que principalmente se representan por El Garza, un hombre que no tiene testículos y El Brujo, quien sí los tiene pero que además de eso tiene un tumor —que yo le atribuyo al Milhombres, una planta con la que el crece que según encontré es causante de tumores— a quién considera como su hermana y pareja sentimental y la llama Estrella, a la cual quiere dejar embarazada para poder renacer de el mismo y seguir en el cargo siendo él nacido de él ( ahi vemos una referencia directa a la santísima trinidad, puesto que se representa al brujo como padre hijo y espiritu al mismo tiempo).
La relación entre El Garza y El Brujo es de constante dominación y humillación, ya que El Garza no puede tener erecciones debido a su falta de testículos, razón por la cual es ultrajado y menospreciado por El Brujo. Algo parecido sucede con las guainas, mujeres que lo acompañan dentro de su vivienda, de las cuales el tiene el control y las maltrata como forma de placer. Así mismo sucede con otros personajes femeninos de los cuales abusa como muestra de su poder.
El tercero es la espaciacion como método de exaltación y reflejo del poder. La historia se desarrolla a partir del concepto abstracto del tacurú, que es la montaña donde viven las hormigas y que es reflejada en su cosmogonía como dictador. Cuando es niño tiene el primer encuentro con este elemento, en el que pone sus testículos y su tumor dentro de la tierra y las hormigas no lo hacen nada, según él "lo veneran". Así mismo se desarrolla su personaje. En el futuro, utilizando elementos de los egipcios y los Mayas, decide construir su propia pirámide para poder observar a sus hormigas (súbitos) desde la parte mas alta que pueda.
"Por eso ahora me voy físicamente para arriba, me coloco a la cabecera de todo, asciendo, me dignifico, me altarizo y enaltezco sobre la pirámide que he mandado a construir"
Y el cuarto, que se da a partir del juego con la fantasía y el realismo dentro de la obra que nos ayuda a entender que mas allá del hecho narrativo o de la alegoría del personaje, se centra dentro de una problemática real y que pudo ser palpable dentro de un contexto histórico especifico. Esto es mas evidente en el segundo capitulo de la obra en el que vemos una ruptura ficcional de la autora con el lector donde el pacto de credibilidad que realizamos se fortalece ya que tenemos un contacto directo con quien narra el libro dentro del contexto real. Esta técnica le permite a la autora no solo contar sus sentimientos reales respecto a la situación política sino que también le permite reflexionar al lector sobre el papel que cumplen tanto la literatura como método de salvación como las escritoras dentro de la época en la que se presentan los sucesos:
"ponerse a escribir cuando por ahí, quizás al lado, a un paso no más, están torturando, matando, y una apenas escribiendo como única posibilidad de contraataque, qué ironía, que inutilidad. Qué dolor sobre todo. Si al detener mi mano pudiera detener otras manos(...) Me pregunto hasta dónde llegará el hambre de represión de este gobierno, a qué gula responderán, cuál será la glándula que segrega este indiscriminado odio, cómo llegar a detener esta descarga química"
Mas allá de esto vemos técnicas interesantes que nos permiten adentrarnos a una historia con variedad de elementos diferentes que confluyen de manera armoniosa. La polifonia, no solo narrativa sino también textual hacen que cosas como la santería africana,mas tarde cubana, compagine perfectamente con el cristianismo que para la época era potente y de la misma manera puedan ser estas las bases del mandato que resultan al final solo ridiculizando su posición ya que el personaje en si no posee ninguna cualidad divina que se nos hace creer. La crítica persistente a la represión religiosa se resuelve a través de un gran final donde se revierte todo valor propuesto y que nos lleva a comprender de manera magnifica no sólo la ausencia de la sangre dentro de un contexto tan violento como la dictadura sino también el inicio de toda la obra.
De esta manera, los invito a conocer una voz femenina que nos cuenta un momento crítico de su país de una forma irónica y divertida.
Uno de mis géneros favoritos, en definitiva es el tango. Hoy, les vengo a hablar de un álbum que se convirtió en uno de los más especiales y más importantes en mis oídos: Veredas de Buenos Aires. Este lo descubrí hace dos años gracias a alguien con quién hablaba vía internet. Fue realizado por Julio Cortazar, uno de los escritores mas importantes del siglo XX, Edgardo Canton, quién trabajo también junto a Borges en la realización de la banda sonora de Invasión (1969), encargado también de la música de este álbum y por otro, Juan Cedrón, el Tata, reconocido músico de tango argentino, quién canta esta vez.
Si bien, tenía conocimiento de la importancia de la música para Julio Cortazar que más de una vez afirmó y que se evidencia en sus obras literarias, no sabia ni me imaginaba que había sido parte de la realización de un álbum completo, aportando su mejor talento, la escritura, ya que la música, aunque era su pasión, no era en definitiva su fuerte.
Para empezar a hablar de este disco me gustaría recordar el texto que Cortazar le escribió a Gardel tras recibir una vitrola con algunos discos del artista, en lo que parece un encuentro no solo consigo mismo, sino también con sus tierras.
"Enseguida se comprende que a Gardel hay que escucharlo en la vitrola, con toda la distorsión, y la pérdida imaginables; su voz sale de ella como la conoció el pueblo que no podía escucharlo en persona, como salía de zaguanes y de salas en el año veinticuatro o veinticinco. Gardel-Razzano, entonces: “La cordobesa”, “El sapo y la comadreja”, “De mi tierra”. Y también su voz sola, alta y llena de quiebros, con las guitarras metálicas crepitando en el fondo de las bocinas verde y rosa: “Mi noche triste”, “La copa del olvido”, “El taita del arrabal”.
Para escucharlo hasta parece necesario el ritual previo, darle cuerda a la vitrola, ajustar la púa. El Gardel de los pickups eléctricos coincide con su gloria, con el cine, con una fama que le exigió renunciamientos y traiciones. Es más atrás, en los patios a la hora del mate, en las noches de verano, en las radios a galena o con las primeras lamparitas, que él está en su verdad, cantando los tangos que lo resumen y lo fijan en las memorias."
revista Sur nº 223 de julio/ agosto de 1953.
sabemos entonces con esto, lo importante que resulta para el escritor, Gardel como interprete y como reflejo de una sociedad y vemos a través del texto la añoranza y la remembranza del pueblo argentino contra el que alguna vez se reveló. Veredas de Buenos Aires es una constante oda a las calles de ese lugar.
Pensando en la estructura narrativa del tango, no es difícil pensar en que aquella referencia a Buenos Aires está construida a partir del sentimiento de soledad que causa el existir, del desamor, el desaliento y la melancolía, más si consideramos que para aquel entonces estaba vigente el Proceso de Reorganización Nacional en Argentina.
Cuatro de las siete canciones que contienen letra son muy dicientes frente al sentimiento de dolor y el extrañamiento. En Veredas de Buenos Aires, la canción que le da el nombre al álbum se recuerda Buenos Aires con un tono más alegre, siento que es la canción que dentro de toda esta bruma melancólica, es mas brillante por las imágenes que evoca: el dibujo de las recuelas, las cervezas, las mujeres, los amigos y el deseo de algún día poder tener esto de nuevo.
Cosa contraria a lo que sucede en la canción que cierra este trabajo Canción sin veranodonde la esperanza se diluye y se ve lejos el retorno, los paisajes y los colores son mucho mas oscuros y sombríos.
"¿Dónde estará la verdad
de la luz,
dónde el verano
con su cielo azul?
Ya no hay sonrisas,
caricias de amor,
es tan de noche
para mi corazón.
Lejos, tan lejos mi claro país,
sin un verano, sin un jazmín."
vemos paisajes oscuros también en Medianoche Aquí, donde todo parece cubierto bajo el manto de la resignación y la ceguera, donde divisar la libertad tanto personal como colectiva se convierte en una tarea difícil, casi que imposible, donde ya no sabemos quiénes somo ni quién es el que está a nuestro lado.
Tu Piel Bajo la Luna y La Camarada son canciones que ya no tienen una connotación tan social, este álbum está encerrado entre dos tipos de extrañamientos, los de la tierra que ya no está y sobre el amor que ya pasó, sin embargo este ultimo se ve mucho mas cercano y menos doloroso que el dolor que se presenta por la patria.
Mi favorita en definitiva es Java, la canción numero siete de este álbum, es un dialogo con la soledad y siento que es la canción que mejor se complementa en la reciprocidad de narrativa-melodía. Los lamentos cantados son mas largos lo que los hace mas viscerales y los momentos en los que la canción se vuelve mas fuerte genera un rechazo mas contundente hacia la condición de soledad. Es perfecta, es bellisima.
Siento que este ha sido uno de los mejores tríos maravilla que han podido existir, son un complemento exquisito entre sí. La construcción de imágenes melancólicas de Cortazar, la voz dolorosa de Cedrón y la música que encapsula estos elementos realizada por Cantón, convierten este álbum en una bomba llena de dolor y belleza.
Los invito a deleitarse ante este género hermoso que parece que nunca muere y que difícilmente cambia (no sé si eso sea una ventaja o una desventaja, teniendo en cuenta que todo lo tradicional se transforma para subsistir en tiempos efímeros y de inmediatez)
Estas vacaciones decidí acercarme muchísimo más a la literatura latinoamericana y entre las cosas que he leído, encontré a la escritora contemporánea Samanta Schweblin, de Argentina. El día de hoy en Novedades Literarias les hablaré de la novela Distancia de Rescate, publicada en el año 2014 y ganadora del Premio Literario Tigre Juan del 2015.
La historia principalmente se narra desde la conversación entre Amanda, madre de una niña llamada Nina y David, hijo de Carla, quien perdió parte de su alma en un raro proceso de desintoxicación. El dialogo está guiado por el niño, quien le pide a Amanda hablar sobre una serie de hechos sucedidos dando primordial importancia a los detalles, pues son estos los que permitirán llegar al momento en el que las cosas se salieron de control. Lo primero inquietante al rededor de la novela es la personalidad de David, tiene una voz madura, una apropiación verbal que un niño común no tiene, incisiva e insistente en que cada elemento que compone la historia es necesario y digno de contar.
Por otro lado, detrás de esta conversación convergen dos historias que se desarrollan en tiempos diferentes pero que logran conectarse. De fondo, en un pasado mas lejano, vemos la historia principal en la que se encuentra toda la psicología del personaje que dirige el relato, junto con su madre, que lo considera un monstruo en la actualidad; y en un pasado mas próximo al momento del dialogo, vemos como todos estos sucesos transforman la vida de Amanda y su hija, con la que sostiene una conexión llamada la "distancia de rescate", que es en resumen la distancia que las separa en caso de hallarse en situación de peligro, a medida que avanzamos en la lectura vemos como el hilo se rompe y cómo esto altera el orden natural de la vida de una madre.
A parte de presentarnos esa rotura entre madre e hija, el argumento de la historia tiene dos elementos importantes. El primero es la cómo se genera tensión y terror a partir de sucesos que ocurren en la vida cotidiana: Un niño intoxicado, una curandera del pueblo, animales de granja envenenados, etc. y el segundo es la visibilidad que se le da a los problemas del siglo XXI que deberian generar terror y que aun así no nos preocupan: El envenenamiento del agua por el uso de químicos, la siembra transgénica y todas las consecuencias que esto puede traer.
Si bien, pareciera que los detalles se vuelven tediosos en algún momento, a lo largo de la novela vemos como esto entreteje un vinculo con el lector y lo mantiene todo el tiempo en constante tensión y cuestionamiento. un acercamiento muy interesante a las nuevas voces de latinoamerica.
"Me pregunto si podría ocurrirme lo mismo que a Carla. Yo siempre pienso en el peor de los casos. Ahora mismo estoy calculando cuánto tardaría en salir corriendo del coche y llegar hasta Nina si ella corriera de pronto hasta la pileta y se tirara. Lo llamo "distancia de rescate", así llamo a esa distancia variable que me separa de mi hija y me pasó la mitad del día calculándola, aunque siempre arriesgo mas de lo que debería".
"...Ese non serviam quedó grabado en una mañana de la historia del mundo. No era un grito caprichoso, no era un acto de rebeldía superficial. Era el resultado de toda una evolución, la suma de múltiples experiencias.
El poeta, en plena conciencia de su pasado y de su futuro, lanzaba al mundo la declaración de su independencia frente a la Naturaleza..."
 y Juan Diego Barrera ( @balandro_ )...){kind=link}
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